Main Collection

Hamlet Hovsepian is one of the key figures in Armenian contemporary art and one of the first artists in the USSR to have worked with video art. He says that he finds inspiration in the insignificant, in things that have no historical or social importance and normally escape our attention as completely unmemorable. 

Hovsepian’s video experiments of the mid‑1970s consist of non‑narrative footage of people and objects around him (a girl biting her nails, a yawning boy scratching his back, electrical cables). A similar genre and aesthetic can be found in Andy Warhol’s work (for example Sleep (1963), featuring sleeping poet John Giorno), which was obviously inaccessible to Hovsepian, who had only heard about it from others. But if Warhol wanted to capture the new everyday—the beauty and simplicity of mass consumption, as we can see in Chelsea Girls (1966), which follows 12 protagonists living a leisurely life—Hovsepian is focused on existential questions such as “Where are we going?” and “Is life static or does it have a purpose?” ultimately returning to the eternal and unavoidable truth of “What has been will be again.” In works such as Portrait, Head, Yawning, Nail Biter, and Itch, the artist closely observes the simplest human actions, allowing events to unfold naturally, without unnecessary pathos. Standing somewhat apart is Untitled, in which Hovsepian’s friend methodically walks around a massive boulder—likely a metaphor for the cyclical nature of existence. At the same time, the video resonates with the social reality of the era of stagnation in the Soviet Union, which coincided with the formative years of Hovsepian as an artist.

Hamlet Hovsepian is one of the key figures in Armenian contemporary art and one of the first artists in the USSR to have worked with video art. He says that he finds inspiration in the insignificant, in things that have no historical or social importance and normally escape our attention as completely unmemorable. 

Hovsepian’s video experiments of the mid‑1970s consist of non‑narrative footage of people and objects around him (a girl biting her nails, a yawning boy scratching his back, electrical cables). A similar genre and aesthetic can be found in Andy Warhol’s work (for example Sleep (1963), featuring sleeping poet John Giorno), which was obviously inaccessible to Hovsepian, who had only heard about it from others. But if Warhol wanted to capture the new everyday—the beauty and simplicity of mass consumption, as we can see in Chelsea Girls (1966), which follows 12 protagonists living a leisurely life—Hovsepian is focused on existential questions such as “Where are we going?” and “Is life static or does it have a purpose?” ultimately returning to the eternal and unavoidable truth of “What has been will be again.” In works such as Portrait, Head, Yawning, Nail Biter, and Itch, the artist closely observes the simplest human actions, allowing events to unfold naturally, without unnecessary pathos. Standing somewhat apart is Untitled, in which Hovsepian’s friend methodically walks around a massive boulder—likely a metaphor for the cyclical nature of existence. At the same time, the video resonates with the social reality of the era of stagnation in the Soviet Union, which coincided with the formative years of Hovsepian as an artist.

Nail Biter

Itch

Untitled

Portrait

Yawning

Head

Acquired from Anton Kozlov

Acquired from a private collection

Приобретено у Тиграна Овсепяна

Gift of Anton Belov

В жизни московского концептуалиста Виктора Пивоварова тесно переплетались неофициальное искусство и детская книжная иллюстрация. Выработанные в издательствах приемы становились частью концептуальных экспериментов художника и, наоборот, черты неофициального искусства появлялись на страницах детских книг. Символично, что художник часто соединял разные измерения в живописи и графике. В многослойных композициях Пивоварова мир переворачивается с ног на голову: фон и фигура меняются местами, в невесомости парят окна, внутри очертаний предметов разворачиваются целые сценки.

В жизни московского концептуалиста Виктора Пивоварова тесно переплетались неофициальное искусство и детская книжная иллюстрация. Выработанные в издательствах приемы становились частью концептуальных экспериментов художника и, наоборот, черты неофициального искусства появлялись на страницах детских книг. Символично, что художник часто соединял разные измерения в живописи и графике. В многослойных композициях Пивоварова мир переворачивается с ног на голову: фон и фигура меняются местами, в невесомости парят окна, внутри очертаний предметов разворачиваются целые сценки.

Untitled

В 1970 году Франциско Инфанте, ключевая фигура отечественного кинетизма, основал группу «АРГО» (Авторская рабочая группа), в постоянный состав которой вошли художница Нонна Горюнова и инженер Валерий Осипов. Они разрабатывали искусственные среды для космических пространств, а их деятельность воплощала характерные времени грезы об освоении других планет. Невозможные для полноценной реализации идеи участники использовали в оформлении различных технических выставок, адаптируя их к имеющимся возможностям.

В 1972 году «АРГО» по заказу Государственного научно‑исследовательского института стекла создала проект кинетической среды «Хрусталь» для Всесоюзной выставки строительного стекла в павильоне товаров народного потребления на ВДНХ. Главным визуальным источником для «космической» архитектуры стал процесс изготовления стекла. «Сияющая огнем жидкая масса, способная принять любой вид, в конце концов превращается в прозрачные геометрические формы, вспыхивающие молниеносным светом», — описывал Инфанте. Экспозиция строилась на взаимодействии светящихся волнообразных элементов и фигурных зеркальных форм. Такая хореография разных состояний стекла проступала в эскизах Инфанте к проекту.

В 1970 году Франциско Инфанте, ключевая фигура отечественного кинетизма, основал группу «АРГО» (Авторская рабочая группа), в постоянный состав которой вошли художница Нонна Горюнова и инженер Валерий Осипов. Они разрабатывали искусственные среды для космических пространств, а их деятельность воплощала характерные времени грезы об освоении других планет. Невозможные для полноценной реализации идеи участники использовали в оформлении различных технических выставок, адаптируя их к имеющимся возможностям.

В 1972 году «АРГО» по заказу Государственного научно‑исследовательского института стекла создала проект кинетической среды «Хрусталь» для Всесоюзной выставки строительного стекла в павильоне товаров народного потребления на ВДНХ. Главным визуальным источником для «космической» архитектуры стал процесс изготовления стекла. «Сияющая огнем жидкая масса, способная принять любой вид, в конце концов превращается в прозрачные геометрические формы, вспыхивающие молниеносным светом», — описывал Инфанте. Экспозиция строилась на взаимодействии светящихся волнообразных элементов и фигурных зеркальных форм. Такая хореография разных состояний стекла проступала в эскизах Инфанте к проекту. 

Design for part of the kinetic environment Crystal

Римма и Валерий Герловины — ключевые фигуры московской художественной сцены 1970‑х годов и одни из пионеров концептуального искусства в СССР. С 1972 года они создают совместные работы, в которых лингвистическая игра переплетается с философской рефлексией. Их произведения — от авторских книг и визуально‑поэтических «концептов» до инсталляций и перформансов (знаменитых «Костюмов» или «Зоо — Homo Sapiens», 1977) — отличает особая «кодированная простота», как они сами называют свой художественный язык: лаконичный, но многозначный, ироничный, но не сатирический, аналитический, но не рационалистический.
В коллекцию Музея «Гараж» входит ранняя работа, созданная в Москве незадолго до эмиграции художников в США в 1979 году. На листе бумаги представлено схематическое изображение коробки с надписью: «В этом герметическом футляре содержится мысль: „Сегодня час с 13.00 до 14.00 был короче часа с 14.00 до 15.00“». Над чертежом размещен машинописный комментарий с уточнением: «Консервация произведена 27.I.I978 г. Риммой и Валерием Герловиными».
С середины 1970‑х годов Герловины разрабатывают практику «консервации» — не столько как метод сохранения объектов, сколько как художественную стратегию фиксации нематериального: мыслей, ощущений, парадоксов восприятия. Художники собирали или создавали объекты, демонстрируя их в застекленных витринах, коробках и пробирках как музейные экспонаты. Однако в концепте «В этом герметическом футляре…» предметом консервации становится не вещь, а мысль. Этот подход тесно связан с их знаменитыми «кубиками» — портативными концептуальными объектами, появившимися в 1974 году. Первоначально они возникли из визуальных экспериментов с машинописным текстом, организованным в геометрические структуры; позже они обрели форму малых картонных кубов с надписями снаружи и внутри, часто содержащих миниатюрные деревянные кубики с концептуальными вердиктами. Как писали сами художники, «в них эзопова капля постепенно точит сизифов камень». 
Графический лист «В этом герметическом футляре…» продолжает эту линию: мысль о субъективной длительности времени — о том, что один час может быть «короче» другого, — помещается в условную капсулу, как экспонат в музее. Пустота внутри коробки — не отсутствие, а сосредоточение внимания на самом акте мышления. В этом смысле работа становится визуальной метафорой относительности восприятия, указывая на условность привычных координат бытия.

Римма и Валерий Герловины — ключевые фигуры московской художественной сцены 1970‑х годов и одни из пионеров концептуального искусства в СССР. С 1972 года они создают совместные работы, в которых лингвистическая игра переплетается с философской рефлексией. Их произведения — от авторских книг и визуально‑поэтических «концептов» до инсталляций и перформансов (знаменитых «Костюмов» или «Зоо — Homo Sapiens», 1977) — отличает особая «кодированная простота», как они сами называют свой художественный язык: лаконичный, но многозначный, ироничный, но не сатирический, аналитический, но не рационалистический.
В коллекцию Музея «Гараж» входит ранняя работа, созданная в Москве незадолго до эмиграции художников в США в 1979 году. На листе бумаги представлено схематическое изображение коробки с надписью: «В этом герметическом футляре содержится мысль: „Сегодня час с 13.00 до 14.00 был короче часа с 14.00 до 15.00“». Над чертежом размещен машинописный комментарий с уточнением: «Консервация произведена 27.I.I978 г. Риммой и Валерием Герловиными».
С середины 1970‑х годов Герловины разрабатывают практику «консервации» — не столько как метод сохранения объектов, сколько как художественную стратегию фиксации нематериального: мыслей, ощущений, парадоксов восприятия. Художники собирали или создавали объекты, демонстрируя их в застекленных витринах, коробках и пробирках как музейные экспонаты. Однако в концепте «В этом герметическом футляре…» предметом консервации становится не вещь, а мысль. Этот подход тесно связан с их знаменитыми «кубиками» — портативными концептуальными объектами, появившимися в 1974 году. Первоначально они возникли из визуальных экспериментов с машинописным текстом, организованным в геометрические структуры; позже они обрели форму малых картонных кубов с надписями снаружи и внутри, часто содержащих миниатюрные деревянные кубики с концептуальными вердиктами. Как писали сами художники, «в них эзопова капля постепенно точит сизифов камень». 
Графический лист «В этом герметическом футляре…» продолжает эту линию: мысль о субъективной длительности времени — о том, что один час может быть «короче» другого, — помещается в условную капсулу, как экспонат в музее. Пустота внутри коробки — не отсутствие, а сосредоточение внимания на самом акте мышления. В этом смысле работа становится визуальной метафорой относительности восприятия, указывая на условность привычных координат бытия.

В этом герметическом футляре содержится мысль

1. Открытый доступ

Мастер

Gerlovin Valeriy

Born in the village of Ashnak (Armenia), Hovsepian graduated from Terlemezian State College of Arts (Yerevan, 1974). He lived and worked in Moscow from 1978 to 1980. Hovsepian participated in the 49th Venice Biennale (2001), the 4th Gyumri Biennial (2004), the 11th Istanbul Biennial (2009), and the 5th Beijing Biennale (2012). Selected solo exhibitions: Selected Large Scale Works (Charlie Khachatourian Gallery, Yerevan, 1997), Re‑turn (Armenian Center for Contemporary Experimental Art, Yerevan, 2005)
Loneliness at the Top (M HKA Museum of Contemporary Art, Antwerp, 2010), and Hamlet Hovsepian: The Essence of Insignificant (Institute of Contemporary Art, Yerevan, 2023).

Hovsepyan Hamlet

Gerlovina Rimma

Infante-Arana Francisco

Viktor Pivovarov was born in Moscow. He studied at Kalinin Moscow Art and Industrial College and in the Graphics Department of Moscow Printing Institute from 1957 to 1962. He took part in the Biennale of Dissent (Venice, 1977). He is a recipient of the Innovation Prize in the nomination For Contribution to the Development of Contemporary Art (2017).

Catalogue of the Collection

Sort by