Due to&nbsp;the expansion of&nbsp;open storage Garage Library will no&nbsp;longer be&nbsp;located in&nbsp;the Seasons of&nbsp;the Year pavilion. The new location and opening date will be&nbsp;announced later.

Please note

Main Collection

Garage Museum of Contemporary Art archive

Acquired from the artist

Acquired from Andrei Misiano

Приобретено у Алексея Парыгина

Книга «Русский букварь» — кураторский проект, возникший по инициативе Виктора Лукина и Михаила Погарского — корифеев книги художника в России, начавших активно работать в 1990‑е годы. В авторский коллектив «Букваря» вошли тридцать четыре автора. Каждый остался верен собственной характерной и узнаваемой эстетике и представил свою интерпретацию графем в различных печатных техниках и художественных поэтиках. Буква «б» была нарисована совместно двумя художниками. 

Книга обращается к традиции художественной азбуки в российском искусстве. Начатая с работ Мстислава Добужинского и Александра Бенуа, она нашла продолжение в «Советской азбуке» Владимира Маяковского, заумных буквенных коллажах Алексея Кручёных и «Графическом словаре» художника‑изобретателя Петра Митурича, перенесшего «Звездную азбуку» поэта Велемира Хлебникова на кубики. Одновременно с этим «Русский букварь» продолжает традицию книги художника. Сброшюрованные листы в папке, с которых в 1900 году во Франции с подачи маршана Амбруаза Воллара началось осмысление жанра, очень полюбившегося российским авторам 1990–2000‑х годов.

Книга «Русский букварь» — кураторский проект, возникший по инициативе Виктора Лукина и Михаила Погарского — корифеев книги художника в России, начавших активно работать в 1990‑е годы. В авторский коллектив «Букваря» вошли тридцать четыре автора. Каждый остался верен собственной характерной и узнаваемой эстетике и представил свою интерпретацию графем в различных печатных техниках и художественных поэтиках. Буква «б» была нарисована совместно двумя художниками. 

Книга обращается к традиции художественной азбуки в российском искусстве. Начатая с работ Мстислава Добужинского и Александра Бенуа, она нашла продолжение в «Советской азбуке» Владимира Маяковского, заумных буквенных коллажах Алексея Кручёных и «Графическом словаре» художника‑изобретателя Петра Митурича, перенесшего «Звездную азбуку» поэта Велемира Хлебникова на кубики. Одновременно с этим «Русский букварь» продолжает традицию книги художника. Сброшюрованные листы в папке, с которых в 1900 году во Франции с подачи маршана Амбруаза Воллара началось осмысление жанра, очень полюбившегося российским авторам 1990–2000‑х годов.

Русский букварь

Виктор Пивоваров, один из основателей московского концептуализма, долгое время занимался оформлением детской книги. В начале карьеры, вскоре после окончания отделения книжной графики Московского полиграфического института, он познакомился со своей будущей женой Ириной Шимес, студенткой Московского текстильного института и начинающим автором детских стихов и рассказов. Романтический союз обернулся творческим тандемом: Ирина писала стихи, Виктор создавал для них оформление.

В 1967 году в издательстве «Детская литература» вышла их совместная книга «Тихое и звонкое». Трогательные, местами смешные стихи Ирины расположились по соседству с яркими иллюстрациями Виктора: «музыкальный» ритм текста отразился в рисунках, пронизанных свечением радуги. Короткие строчки стихов выстроились в тонкую вертикаль, чья доминанта продолжалась в композиции книжных листов и иллюстрациях. Например, левые страницы разворотов были разделены синей линией на два вытянутых вверх прямоугольника: один содержал текст, другой — изображения. Последние подхватывали движение вдоль вертикальной оси: в линиях интерьера, в уходящей вверх лестнице, в тянущихся к солнцу растениях.

Устремленные вверх цветы обрамляли стихотворение «Улитка»: «…затворила / Улитка / Калитку, / Спрятала ключ / И отправилась / Спать / В самую круглую / В мире / Кровать». Слева от текста «росли» растения, чьи стебельки выстроились в маленький забор: кажется, в тени за ними таится тот самый ключик, спрятанный улиткой от других обитателей маленького мира. Небольшая иллюстрация находилась в диалоге с соседним изображением разворота: тень в глубине растений создавала контраст пылающему солнцу; колорит цветков отражался в крыльях бабочки; маленькая раковина среди камешков перекликалась с большим «круглым домом». Сама улитка — частый символ в работах Пивоварова: она воплощает возможность как контакта с окружением (выход к солнцу), так и побега во внутренний мир (глубина тени).

Виктор Пивоваров, один из основателей московского концептуализма, долгое время занимался оформлением детской книги. В начале карьеры, вскоре после окончания отделения книжной графики Московского полиграфического института, он познакомился со своей будущей женой Ириной Шимес, студенткой Московского текстильного института и начинающим автором детских стихов и рассказов. Романтический союз обернулся творческим тандемом: Ирина писала стихи, Виктор создавал для них оформление.

В 1967 году в издательстве «Детская литература» вышла их совместная книга «Тихое и звонкое». Трогательные, местами смешные стихи Ирины расположились по соседству с яркими иллюстрациями Виктора: «музыкальный» ритм текста отразился в рисунках, пронизанных свечением радуги. Короткие строчки стихов выстроились в тонкую вертикаль, чья доминанта продолжалась в композиции книжных листов и иллюстрациях. Например, левые страницы разворотов были разделены синей линией на два вытянутых вверх прямоугольника: один содержал текст, другой — изображения. Последние подхватывали движение вдоль вертикальной оси: в линиях интерьера, в уходящей вверх лестнице, в тянущихся к солнцу растениях.

Устремленные вверх цветы обрамляли стихотворение «Улитка»: «…затворила / Улитка / Калитку, / Спрятала ключ / И отправилась / Спать / В самую круглую / В мире / Кровать». Слева от текста «росли» растения, чьи стебельки выстроились в маленький забор: кажется, в тени за ними таится тот самый ключик, спрятанный улиткой от других обитателей маленького мира. Небольшая иллюстрация находилась в диалоге с соседним изображением разворота: тень в глубине растений создавала контраст пылающему солнцу; колорит цветков отражался в крыльях бабочки; маленькая раковина среди камешков перекликалась с большим «круглым домом». Сама улитка — частый символ в работах Пивоварова: она воплощает возможность как контакта с окружением (выход к солнцу), так и побега во внутренний мир (глубина тени).

Иллюстрация к стихотворению «Улитка» из книги Ирины Пивоваровой «Тихое и звонкое»

Евгений Стрелков — художник, поэт, сооснователь дизайн‑студии «Дирижабль» и одноименного издательства, чья практика с конца 1990‑х годов развивается в русле расширенного понимания книги как медийного и концептуального поля. По образованию радиофизик, он пришел в искусство из науки, сохранив исследовательский подход и превратив книгу художника в лабораторию междисциплинарных экспериментов. 

В 2003 году Стрелков совместно с Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва) запустил альманах «Ч/Б», в котором соединяются тиражная графика, авторский подход и элементы периодического издания. Выдержанный в черно‑белой эстетике, он объединяет разнообразные стратегии, исследующие возможности графического языка в современном художественном контексте. «Китайская грамота» стала восемнадцатым выпуском «Ч/Б». Это визуально‑звуковой проект о культурных пересечениях и попытке понимания «чужого». Во время поездки по северу Германии Стрелков обнаружил в конструкциях средневековых фахверковых фасадов графические структуры, ассоциативно напоминающие китайские иероглифы. Эти визуальные аналогии стали основой для русскоязычного поэтического текста, написанного под впечатлением от встречи с незнакомым ландшафтом. Музыкальная часть проекта трактует архитектурную композицию как партитуру: продольные балки соответствуют ступеням звукового ряда, а узлы — нотным интервалам. Так рождается сложный, многослойный диалог между языками, культурами и медиумами.

Евгений Стрелков — художник, поэт, сооснователь дизайн‑студии «Дирижабль» и одноименного издательства, чья практика с конца 1990‑х годов развивается в русле расширенного понимания книги как медийного и концептуального поля. По образованию радиофизик, он пришел в искусство из науки, сохранив исследовательский подход и превратив книгу художника в лабораторию междисциплинарных экспериментов. 

В 2003 году Стрелков совместно с Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва) запустил альманах «Ч/Б», в котором соединяются тиражная графика, авторский подход и элементы периодического издания. Выдержанный в черно‑белой эстетике, он объединяет разнообразные стратегии, исследующие возможности графического языка в современном художественном контексте. «Китайская грамота» стала восемнадцатым выпуском «Ч/Б». Это визуально‑звуковой проект о культурных пересечениях и попытке понимания «чужого». Во время поездки по северу Германии Стрелков обнаружил в конструкциях средневековых фахверковых фасадов графические структуры, ассоциативно напоминающие китайские иероглифы. Эти визуальные аналогии стали основой для русскоязычного поэтического текста, написанного под впечатлением от встречи с незнакомым ландшафтом. Музыкальная часть проекта трактует архитектурную композицию как партитуру: продольные балки соответствуют ступеням звукового ряда, а узлы — нотным интервалам. Так рождается сложный, многослойный диалог между языками, культурами и медиумами.

Альманах «Ч/Б». Выпуск «Китайская грамота»

Конец 2010‑х и начало 2020‑х годов ознаменовался в российской книге художника рядом масштабных коллективных проектов. Наряду с <a href="https://garagemca.org/programs/library/catalogue/L67521">«Русским букварем» (2018)</a> — изданием по преимуществу московским — к ним принадлежит «Город как субъективность художника», костяк которого составили художники из Санкт‑Петербурга.

По масштабу издание представляет собой кураторский проект, инициатором создания которого выступил Алексей Парыгин. «Город как субъективность художника» стал возможен при участии издателя Тимофея Маркова, известного по библиофильским публикациям с работами Александра Флоренского, Анатолия Белкина и Михаила Шемякина, и фонда Андрея Чеглакова, среди прочего поддерживающего развитие книги художника в России.

Каждый художник предложил собственное размышление на тему современного урбанизма. Разнообразие печатных техник и авторских эстетик проявляется в многочисленных интерпретациях бетонных жилых массивов, транспортных развязок и места человека в этой городской среде — от классического эстампа до работ в форме настольной игры и экспериментов с типографикой и каллиграфией.

Конец 2010‑х и начало 2020‑х годов ознаменовался в российской книге художника рядом масштабных коллективных проектов. Наряду с «Русским букварем» (2018) — изданием по преимуществу московским — к ним принадлежит «Город как субъективность художника», костяк которого составили художники из Санкт‑Петербурга.

По масштабу издание представляет собой кураторский проект, инициатором создания которого выступил Алексей Парыгин. «Город как субъективность художника» стал возможен при участии издателя Тимофея Маркова, известного по библиофильским публикациям с работами Александра Флоренского, Анатолия Белкина и Михаила Шемякина, и фонда Андрея Чеглакова, среди прочего поддерживающего развитие книги художника в России.

Каждый художник предложил собственное размышление на тему современного урбанизма. Разнообразие печатных техник и авторских эстетик проявляется в многочисленных интерпретациях бетонных жилых массивов, транспортных развязок и места человека в этой городской среде — от классического эстампа до работ в форме настольной игры и экспериментов с типографикой и каллиграфией.

Город как субъективность художника

Евгений Стрелков — художник, поэт, эссеист и куратор, чья многогранная творческая практика органично сочетает графический дизайн, мультимедиа, инсталляцию, ленд‑арт и книгу художника. Пришедший в искусство из мира физики, он неизменно сохраняет интерес к рациональному знанию, «стимпанковской инженерной эстетике и научной романтике XIX века». Стрелков — сооснователь и арт‑директор нижегородской дизайн‑студии «Дирижабль», возникшей в 1995 году как практическое продолжение одноименного литературно‑художественного альманаха, первый выпуск которого увидел свет в 1992 году. В 2003 году вместе с Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва) он запустил альманах «Ч/Б». Каждый выпуск — самостоятельный художественный проект, исследующий возможности современной графики.

Состоящая из несброшюрованных листов книга «Сумма речи» — шестнадцатый выпуск «Ч/Б». Издание является документацией одноименного выставочного science‑art проекта. В его основе было радиотехническое устройство с микрофоном, процессором и динамиками, которое превращало экспозицию в насыщенную речевую среду. Принцип работы заключался в том, что на произнесенную зрителем фразу устройство генерировало ответ — реплику одного из предыдущих посетителей. Таким образом формировалась «сумма речи» — корпус изречений, произнесенных посетителями. Проект исследует идею о том, что коммуникация неизбежна и самоценна, даже если ее смысловая насыщенность сведена к минимуму. Книга включает схемы «спонтанного коммуникатора», таблицы ответов, фрагменты инженерных схем и иллюстрации из анатомических атласов. Стилистика издания, выполненная в черно‑белой гамме, отсылает к пиксельной компьютерной графике и лабораторной документации.

Евгений Стрелков — художник, поэт, эссеист и куратор, чья многогранная творческая практика органично сочетает графический дизайн, мультимедиа, инсталляцию, ленд‑арт и книгу художника. Пришедший в искусство из мира физики, он неизменно сохраняет интерес к рациональному знанию, «стимпанковской инженерной эстетике и научной романтике XIX века». Стрелков — сооснователь и арт‑директор нижегородской дизайн‑студии «Дирижабль», возникшей в 1995 году как практическое продолжение одноименного литературно‑художественного альманаха, первый выпуск которого увидел свет в 1992 году. В 2003 году вместе с Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва) он запустил альманах «Ч/Б». Каждый выпуск — самостоятельный художественный проект, исследующий возможности современной графики.

Состоящая из несброшюрованных листов книга «Сумма речи» — шестнадцатый выпуск «Ч/Б». Издание является документацией одноименного выставочного science‑art проекта. В его основе было радиотехническое устройство с микрофоном, процессором и динамиками, которое превращало экспозицию в насыщенную речевую среду. Принцип работы заключался в том, что на произнесенную зрителем фразу устройство генерировало ответ — реплику одного из предыдущих посетителей. Таким образом формировалась «сумма речи» — корпус изречений, произнесенных посетителями. Проект исследует идею о том, что коммуникация неизбежна и самоценна, даже если ее смысловая насыщенность сведена к минимуму. Книга включает схемы «спонтанного коммуникатора», таблицы ответов, фрагменты инженерных схем и иллюстрации из анатомических атласов. Стилистика издания, выполненная в черно‑белой гамме, отсылает к пиксельной компьютерной графике и лабораторной документации.

Альманах «Ч/Б». Выпуск «Сумма речи»

Игорь Улангин — чебоксарский художник, график и издатель. Дружба с поэтом Геннадием Айги побудила его заняться оформлением книг. Улангин проиллюстрировал и издал произведения многих известных авторов. В 2005 году он основал некоммерческую типографию Free Poetry, где небольшими тиражами издает книги поэтов, писателей и художников.

«Без названия» — серия из четырнадцати подписанных графических листов, выполненных в технике шелкографии и собранных в серую папку. Каждый лист представляет собой самостоятельное произведение, не связанное с другими общим нарративом и отличающееся собственным визуальным языком, стилем и сюжетом. Все графические фантазии исполнены в двух‑трех цветах, варьируясь от фигуративных композиций до абстрактных, построенных исключительно на сочетаниях геометрических знаков.

Игорь Улангин — чебоксарский художник, график и издатель. Дружба с поэтом Геннадием Айги побудила его заняться оформлением книг. Улангин проиллюстрировал и издал произведения многих известных авторов. В 2005 году он основал некоммерческую типографию Free Poetry, где небольшими тиражами издает книги поэтов, писателей и художников.

«Без названия» — серия из четырнадцати подписанных графических листов, выполненных в технике шелкографии и собранных в серую папку. Каждый лист представляет собой самостоятельное произведение, не связанное с другими общим нарративом и отличающееся собственным визуальным языком, стилем и сюжетом. Все графические фантазии исполнены в двух‑трех цветах, варьируясь от фигуративных композиций до абстрактных, построенных исключительно на сочетаниях геометрических знаков.

Без названия

Игорь Улангин — чебоксарский художник, график и издатель. Дружба с поэтом Геннадием Айги побудила его заняться оформлением книг — он проиллюстрировал произведения многих известных авторов. В 2005 году Улангин основал независимую типографию Free Poetry, специализирующуюся на авторских и экспериментальных изданиях.

Книга художника «Десять параллелей к текстам А. Введенского» представляет собой папку с десятью несброшюрованными графическими листами, каждый из которых пронумерован и подписан. В этих работах Улангин создает метафизические композиции, совмещая геометрические и фигуративные мотивы, абстрактные структуры и поэтические ассоциации. Его образы рождаются из текста, превращая стихотворения Александра Введенского — крупнейшего поэта, одного из основоположников литературы абсурда и участника объединения ОБЭРИУ — в визуальные ребусы. Впервые эти графические листы были напечатаны в иллюстрированном сборнике Введенского «Гость на коне» (Вита Нова, Санкт‑Петербург, 2011).

Игорь Улангин — чебоксарский художник, график и издатель. Дружба с поэтом Геннадием Айги побудила его заняться оформлением книг — он проиллюстрировал произведения многих известных авторов. В 2005 году Улангин основал независимую типографию Free Poetry, специализирующуюся на авторских и экспериментальных изданиях.

Книга художника «Десять параллелей к текстам А. Введенского» представляет собой папку с десятью несброшюрованными графическими листами, каждый из которых пронумерован и подписан. В этих работах Улангин создает метафизические композиции, совмещая геометрические и фигуративные мотивы, абстрактные структуры и поэтические ассоциации. Его образы рождаются из текста, превращая стихотворения Александра Введенского — крупнейшего поэта, одного из основоположников литературы абсурда и участника объединения ОБЭРИУ — в визуальные ребусы. Впервые эти графические листы были напечатаны в иллюстрированном сборнике Введенского «Гость на коне» (Вита Нова, Санкт‑Петербург, 2011).

Десять параллелей к текстам А. Введенского

Евгений Стрелков — нижегородский художник, поэт, сооснователь дизайн‑студии «Дирижабль» и одноименного издательства, более 30 лет работает в жанре книги художника. В основе его графики — сложная, многослойная композиция, в которой цифровые методы коллажа позволяют соединять, казалось бы, несовместимые визуальные регистры: от строгих инженерных схем, математических обозначений и таблиц до репродукций старинных гравюр, иллюстраций из энциклопедий, научно‑популярных журналов и технических справочников прошлых эпох. Такое синтетическое пространство становится одновременно архивом и лабораторией — местом, где научная рациональность встречается с поэтической мистификацией, а архаика — ссовременностью.

Совместно с Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва) в 2003 году Стрелков запустил программу «Ч/Б» — открытую экспериментальную художественную платформу, посвященную расширению границ современной печатной графики. Семнадцатый выпуск альманаха, «Сирены: Каскад», представляет собой альбом из несброшюрованных листов и продолжает поэтическое исследование волжских водохранилищ, начатое в проекте Sirenes (выпуск № 8 альманаха «Ч/Б», 2004). Контуры водоемов вписываются в геометрические структуры платоновских тел и паутину дюреровских перспектив. Эти композиции сочетаются с текстовыми вставками, фотографиями и пиктограммами, формируя визуальную аллегорию — одновременно идеального замысла и необратимой утраты. Водохранилища предстают здесь как двойственный символ: с одной стороны — воплощение рационалистической мечты инженеров, с другой — след техногенного вмешательства, навсегда изменившего ландшафт и погребшего под водой деревни, леса и сельскохозяйственные угодья.

Для издания «Сирены: Каскад» звуковая структура была сгенерирована на основе цифровых данных, описывающих конфигурацию береговых линий волжских водохранилищ. От нее отталкивались композиторы Станислав Вдовин и Ольга Шайдуллина: их сочинение, выпущенное отдельным диском, стало дополнением к визуальной поэтике книги.

Евгений Стрелков — нижегородский художник, поэт, сооснователь дизайн‑студии «Дирижабль» и одноименного издательства, более 30 лет работает в жанре книги художника. В основе его графики — сложная, многослойная композиция, в которой цифровые методы коллажа позволяют соединять, казалось бы, несовместимые визуальные регистры: от строгих инженерных схем, математических обозначений и таблиц до репродукций старинных гравюр, иллюстраций из энциклопедий, научно‑популярных журналов и технических справочников прошлых эпох. Такое синтетическое пространство становится одновременно архивом и лабораторией — местом, где научная рациональность встречается с поэтической мистификацией, а архаика — ссовременностью.

Совместно с Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва) в 2003 году Стрелков запустил программу «Ч/Б» — открытую экспериментальную художественную платформу, посвященную расширению границ современной печатной графики. Семнадцатый выпуск альманаха, «Сирены: Каскад», представляет собой альбом из несброшюрованных листов и продолжает поэтическое исследование волжских водохранилищ, начатое в проекте Sirenes (выпуск № 8 альманаха «Ч/Б», 2004). Контуры водоемов вписываются в геометрические структуры платоновских тел и паутину дюреровских перспектив. Эти композиции сочетаются с текстовыми вставками, фотографиями и пиктограммами, формируя визуальную аллегорию — одновременно идеального замысла и необратимой утраты. Водохранилища предстают здесь как двойственный символ: с одной стороны — воплощение рационалистической мечты инженеров, с другой — след техногенного вмешательства, навсегда изменившего ландшафт и погребшего под водой деревни, леса и сельскохозяйственные угодья.

Для издания «Сирены: Каскад» звуковая структура была сгенерирована на основе цифровых данных, описывающих конфигурацию береговых линий волжских водохранилищ. От нее отталкивались композиторы Станислав Вдовин и Ольга Шайдуллина: их сочинение, выпущенное отдельным диском, стало дополнением к визуальной поэтике книги.

Альманах «Ч/Б». Выпуск «Сирены: Каскад»

Алена Исаханян — художница, участница творческого объединения «Наденька». В их проектах традиционные женские практики — шитье, вышивка, работа с тканью — превращаются в способ рассказывать истории женщин. 

Вошедшая в коллекцию Музея «Гараж» книга наглядно обыгрывает смыслы словосочетания «тонкие материи». Один из них — буквальный: страницы сделаны из ткани. Первая фраза — «Однажды я влюбилась» — звучит многообещающим началом романа или, как минимум, рассказа‑исповеди о пережитом чувстве. Однако эти ожидания будут обмануты, книга не предложит читателю истории счастливой или несчастной любви. Последует несколько неожиданный призыв ко всем людям любить друг друга, и надежда пережить историю чужой страсти станет несбыточной. 

Черная обложка, отсутствие ярких пятен, ручная вышивка силуэта героини с горящим сердцем в руке — отсылка к персонажу Данко из рассказа Максима Горького «Старуха Изергиль» с его сердцем, отданным людям, и наконец, темное небо с безмолвными сердцами‑звездами. Только после этого забрезжит еще один смысл словосочетания «тонкие материи» — метафорический, ведь существует нечто всегда ускользающее от наррации и визуальных сенсаций — однажды пережитое сильное чувство. Опыт влюбленности и разочарования непередаваем, но можно попробовать испытать его в тактильных ощущениях от мягко провисающих страниц.

Алена Исаханян — художница, участница творческого объединения «Наденька». В их проектах традиционные женские практики — шитье, вышивка, работа с тканью — превращаются в способ рассказывать истории женщин. 

Вошедшая в коллекцию Музея «Гараж» книга наглядно обыгрывает смыслы словосочетания «тонкие материи». Один из них — буквальный: страницы сделаны из ткани. Первая фраза — «Однажды я влюбилась» — звучит многообещающим началом романа или, как минимум, рассказа‑исповеди о пережитом чувстве. Однако эти ожидания будут обмануты, книга не предложит читателю истории счастливой или несчастной любви. Последует несколько неожиданный призыв ко всем людям любить друг друга, и надежда пережить историю чужой страсти станет несбыточной. 

Черная обложка, отсутствие ярких пятен, ручная вышивка силуэта героини с горящим сердцем в руке — отсылка к персонажу Данко из рассказа Максима Горького «Старуха Изергиль» с его сердцем, отданным людям, и наконец, темное небо с безмолвными сердцами‑звездами. Только после этого забрезжит еще один смысл словосочетания «тонкие материи» — метафорический, ведь существует нечто всегда ускользающее от наррации и визуальных сенсаций — однажды пережитое сильное чувство. Опыт влюбленности и разочарования непередаваем, но можно попробовать испытать его в тактильных ощущениях от мягко провисающих страниц.

Тонкие материи

5925eefe-6479-47c7-84fe-c46b179ce529-800px.jpg

1. Открытый доступ

Мастер

Molochnikov Mikhail

Makarevich Igor

Kolesov Igor

Shelkovsky Igor

Mendagaliev Gafur

Roshnyak Mikhail

Tsyplyakova Ella

Khazan Dmitry

Guzairov Emil

Spivak Marina

Tishkov Leonid

Shilov Vyacheslav

Pogarsky Mikhail

Sinyova Natalia

Kachalskiy Vladimir

Perevezentsev Petr

Ganzenko Igor

Krasulin Andrey

Vlasov Vasily

Antoshina Tatyana

Strelkov Evgeniy

Horst Vasya

Pankin Aleksandr

Smirnova Ekaterina

Remishevsky Victor

Artamonov Alexander

Katsnelson Grigory

Chezhin Andrey

Chernikhov Andrey

Khudyakov Konstantin

Batynkov Konstantin

Yakunin Sergei

Posetselskaya Ekaterina

Ivanov Igor

Atkarskaya Vera

Gordon Yury

Vasiliev Anatoly

Zykina Anastasia

Savelyev Alexander

Mishin Valery

Baskin Igor

Alexey Parygin was born in Leningrad. He graduated from the Drawing Faculty of Leningrad Herzen State Pedagogical Institute (1989). He has a Candidate of Art History degree (2002) and is a lecturer and docent in the Faculty of Design at St. Petersburg University of Technology and Design. He was the organizer and a member of the art group Union No. 0 (Leningrad, 1986–1989) and the creative squat/studio Nevsky 25 (Leningrad, 1987–1990). He is a member of the St. Petersburg Branch of the Union of Artists of Russia (since 1994) and the Association of Art Historians (since 2003). He is the author of numerous articles on the history of artistic prints.

Parygin Aleksei

Zabirokhin Boris

Denisov Sergey

Isakhanyan Alyona

Vdovin Stanislav

Veselovsky Aleksei

Borkov Aleksandr

Ulangin Igor'

Matissen Kira

Shaydullina Olga

Pozin Aleksandr

Lukin Viktor

Panin Alexander

Belova Marina

Politov Aleksei

Kolesnikov Ivan

Tsiberev Aleksei

Antonyshev Yan

Kavarga Dmitry

Viktor Pivovarov was born in Moscow. He studied at Kalinin Moscow Art and Industrial College and in the Graphics Department of Moscow Printing Institute from 1957 to 1962. He took part in the Biennale of Dissent (Venice, 1977). He is a recipient of the Innovation Prize in the nomination For Contribution to the Development of Contemporary Art (2017).

Pivovarov Viktor

Korolchuk Andrey

Anfalova Nadezhda

Umnov Viktor

Orlov Valery

Shtapakov Yury

Valery Korchagin was born in Krasnouralsk (Sverdlovskaya Oblast). He graduated from the Faculty of Art History and Culture Studies of Ural State University (Yekaterinburg, 1999) and the Interior Design Department of the Professional Development Faculty of Ural State Academy of Architecture and Art (Yekaterinburg, 2010). He headed the Artist’s Book Studio (National Center for Contemporary Arts, ROSIZO, 2015–2018). He is co‑founder of the Artist’s Book Museum (Moscow, 2020). He is a member of the Creative Union of Artists of Russia (New Trends Section).

Catalogue of the Collection

Sort by