On&nbsp;December 15 the 0+ Space will be&nbsp;closed 18:00&ndash;21:00

Please note

Main Collection

Garage Museum of Contemporary Art archive

В видео «Ее пять жизней» Саодат Исмаилова, важный голос в постсоветском искусстве Центральной Азии, прослеживает трансформацию женского образа в Узбекистане через историю кино своей страны.

В этом фильме художница использует прием, характерный для эссеистических практик, — монтаж коротких кино- и видеофрагментов, объединенных одной темой или визуальным мотивом (англ. supercut). «Ее пять жизней» создан из узбекских фильмов (с участием женских персонажей), снятых на протяжении века: самая ранняя лента, к которой обращается Исмаилова, — выпущенный в 1925 году «Минарет смерти» Вячеслава Висковского.

Склейка различных сюжетов, как очень личных, так и отсылающих к большим историческим нарративам, создает образ героини — женщины, путешествующей через свои «пять жизней» — пять этапов истории Узбекистана. Используя феминистскую оптику, внимательную к проявлениям насилия и распределению власти, художница выстраивает объемный картину положения женщины в социальной и политической жизни страны. Визуальный ряд фильма поддерживается сложным аудиоландшафтом, составленным из музыки, написанной для узбекского кино.

В видео «Ее пять жизней» Саодат Исмаилова, важный голос в постсоветском искусстве Центральной Азии, прослеживает трансформацию женского образа в Узбекистане через историю кино своей страны.

В этом фильме художница использует прием, характерный для эссеистических практик, — монтаж коротких кино- и видеофрагментов, объединенных одной темой или визуальным мотивом (англ. supercut). «Ее пять жизней» создан из узбекских фильмов (с участием женских персонажей), снятых на протяжении века: самая ранняя лента, к которой обращается Исмаилова, — выпущенный в 1925 году «Минарет смерти» Вячеслава Висковского.

Склейка различных сюжетов, как очень личных, так и отсылающих к большим историческим нарративам, создает образ героини — женщины, путешествующей через свои «пять жизней» — пять этапов истории Узбекистана. Используя феминистскую оптику, внимательную к проявлениям насилия и распределению власти, художница выстраивает объемный картину положения женщины в социальной и политической жизни страны. Визуальный ряд фильма поддерживается сложным аудиоландшафтом, составленным из музыки, написанной для узбекского кино.

Her five lives

Художница работала в мастерских Музея современного искусства «Гараж» и «Сводах» Дома культуры «ГЭС‑2», документируя процесс собственного труда. В видеоэссе, которое показывается в игровом движке, расширяющем его в виртуальную среду, она использует сканированные модели этих пространств. Она включает в сюжет эссе свои разные роли: пользователя, исследователя, приглашенной художницы, начинающего специалиста по управлению технологическими системами. К примеру, она превращает себя в цифровую иконку — персонажа, выполняющего операторскую функцию во взаимодействии с различными инструментами. Через настраивание диалога между такими расщепляющими типами деятельности matiush first нащупывает то, как изменяется ее идентичность как художницы.

matiush first отталкивается от интерфейса программы Paint и операционных систем 2000‑х, ставших знаковыми для нее в детстве, чтобы начать путешествие по важным для нее мирам художников, теоретиков и режиссеров — Криса Маркера, Оли Лялиной, Харуна Фароки, Хито Штейерль, Розы Менкман и других. Через их размышления и образы, документальные записи и собственный опыт художница прослеживает становление автоматизированных систем создания изображения, приходя к вопросам о разрешении изображения и политических свойствах, скрывающихся в нем.

Одной из важных вех в этом векторе истории технологий для художницы становится появление роботизированных рук, развившихся до сложных манипуляторов, справляющихся с огромным количеством всевозможных операций. matiush first работала с роборукой Kuka, чтобы создать параметрически деформированные модели стульев, собранные с помощью автоматизированной фрезеровки и ручного труда, и начертить карандашный вариант ASCII‑изображения, составленного из алгоритмически искаженных символов, что опять же потребовало специфической ручной настройки и сопровождения. Эти объекты представлены в инсталляции и также оказываются в мире видеоэссе.

В своей работе художница приглашает зрителя к постоянному движению между физическим и виртуальным пространством. В этих перемещениях она отмечает, как ограничения и неточности, с которыми она сталкивалась в процессе труда, становятся особенным средством выразительности и уточняет, как изображение мира меняет его свойства и возможности в нем.

Художница работала в мастерских Музея современного искусства «Гараж» и «Сводах» Дома культуры «ГЭС‑2», документируя процесс собственного труда. В видеоэссе, которое показывается в игровом движке, расширяющем его в виртуальную среду, она использует сканированные модели этих пространств. Она включает в сюжет эссе свои разные роли: пользователя, исследователя, приглашенной художницы, начинающего специалиста по управлению технологическими системами. К примеру, она превращает себя в цифровую иконку — персонажа, выполняющего операторскую функцию во взаимодействии с различными инструментами. Через настраивание диалога между такими расщепляющими типами деятельности matiush first нащупывает то, как изменяется ее идентичность как художницы.

matiush first отталкивается от интерфейса программы Paint и операционных систем 2000‑х, ставших знаковыми для нее в детстве, чтобы начать путешествие по важным для нее мирам художников, теоретиков и режиссеров — Криса Маркера, Оли Лялиной, Харуна Фароки, Хито Штейерль, Розы Менкман и других. Через их размышления и образы, документальные записи и собственный опыт художница прослеживает становление автоматизированных систем создания изображения, приходя к вопросам о разрешении изображения и политических свойствах, скрывающихся в нем.

Одной из важных вех в этом векторе истории технологий для художницы становится появление роботизированных рук, развившихся до сложных манипуляторов, справляющихся с огромным количеством всевозможных операций. matiush first работала с роборукой Kuka, чтобы создать параметрически деформированные модели стульев, собранные с помощью автоматизированной фрезеровки и ручного труда, и начертить карандашный вариант ASCII‑изображения, составленного из алгоритмически искаженных символов, что опять же потребовало специфической ручной настройки и сопровождения. Эти объекты представлены в инсталляции и также оказываются в мире видеоэссе.

В своей работе художница приглашает зрителя к постоянному движению между физическим и виртуальным пространством. В этих перемещениях она отмечает, как ограничения и неточности, с которыми она сталкивалась в процессе труда, становятся особенным средством выразительности и уточняет, как изображение мира меняет его свойства и возможности в нем.

Видя другую игру / rendered in liminal resolution

Artist Olga Grotova’s film explores the tragic events of her own family history, which defined her interest in women’s personal practices of working the land. The artist looks at gardening and the cultivation of smallholdings as a means of female self‑expression and opposition to the repressions and totalitarian pressure. 

In the 1930s thousands of foreigners who had come to the USSR to work became victims of the Great Terror. Like the female relatives of “traitors to the motherland” and “enemies of the people,” the wives, sisters, mothers, and children of foreigners were sent to ALZHIR (Akmolinsk Camp for the Wives of Traitors to the Motherland), a camp within the GULAG system in the Kazakh SSR (now the Republic of Kazakhstan), as relatives of “traitors to the Motherland” and “enemies of the people.” Among the prisoners of that camp were Klavdia and Marina, Grotova’s great‑grandmother and grandmother. 

The corporeality of the video material and the embodiment by the camera, accented by the materiality of the 8 mm film used, is one of the main techniques employed by the artist to create a subtle language for the comprehension of history. Surviving a tragedy of historical proportions proves to be possible thanks to the practice of gardening (both personal and collective, based on mutual assistance), which supported the community of imprisoned women and remained with them for the rest of their lives. This corporeal embodiment of camera and narrator is an important motif for video essay practices, underpinning the complex structure of film and artistic research. 

This work was created as part of the project The Friendship Garden for Garage Field Research.

Artist Olga Grotova’s film explores the tragic events of her own family history, which defined her interest in women’s personal practices of working the land. The artist looks at gardening and the cultivation of smallholdings as a means of female self‑expression and opposition to the repressions and totalitarian pressure. 

In the 1930s thousands of foreigners who had come to the USSR to work became victims of the Great Terror. Like the female relatives of “traitors to the motherland” and “enemies of the people,” the wives, sisters, mothers, and children of foreigners were sent to ALZHIR (Akmolinsk Camp for the Wives of Traitors to the Motherland), a camp within the GULAG system in the Kazakh SSR (now the Republic of Kazakhstan), as relatives of “traitors to the Motherland” and “enemies of the people.” Among the prisoners of that camp were Klavdia and Marina, Grotova’s great‑grandmother and grandmother. 

The corporeality of the video material and the embodiment by the camera, accented by the materiality of the 8 mm film used, is one of the main techniques employed by the artist to create a subtle language for the comprehension of history. Surviving a tragedy of historical proportions proves to be possible thanks to the practice of gardening (both personal and collective, based on mutual assistance), which supported the community of imprisoned women and remained with them for the rest of their lives. This corporeal embodiment of camera and narrator is an important motif for video essay practices, underpinning the complex structure of film and artistic research. 

This work was created as part of the project The Friendship Garden for Garage Field Research.

To My Daughter I WIll Say

Acquired from the artist

Acquired from Andrei Misiano

Gift of Michail Ovcharenko

Gift of Anton Belov

Новосибирская художница Елена Бертолло выстраивает свои проекты с аналитической точностью. Ее язык строг, выверен и лаконичен. За видимой простотой скрываются наблюдательность и глубокое внимание к деталям. Бесстрастно препарируя действительность, Бертолло удерживает зрителя в состоянии внутреннего напряжения. С 2006 года она работает в составе группы BERTOLLO совместно с мужем — художником, дизайнером и куратором Андреем Бертолло. В их творческом арсенале такие медиа, как видео, фото, живопись, коллаж, уникальная и печатная графика, тексты, арт‑объекты, инсталляции и перформансы. Книга художника — не основная, но значимая для них форма высказывания, особенно когда важно точное и адресное обращение к зрителю.

Книга «Так просто» была создана в 2022 году тиражом 8 экземпляров: тексты и изображения — Елена Бертолло, дизайн — Андрей Бертолло. Под эффектной, но лаконичной красной обложкой скрываются короткие рассказы, напоминающие дневниковые записи, — тонкие, поэтичные, иногда искрометно ироничные. Тексты сопровождаются рисунками, коллажами, принтами на кальке, лавсановой пленке и разных сортах бумаги.

Как и одноименный выставочный проект 2006 года, книга обращается к теме внутренней и внешней экологии, акцентируя внимание на едва заметном. В открывающем издание тексте Елена Бертолло пишет: «Художник тоже иллюзионист, имеет дело с фантазиями и иллюзиями. Он тоже не вписывается в обычные „рамки“ логики — пытается поймать, что ускользает, проявляет едва различимое… Не будьте готовы ни к чему, наблюдайте. Это так важно, так просто». Автор призывает зрителя к сосредоточенности и готовности сомневаться, принимать неопределенность человеческого бытия.

Новосибирская художница Елена Бертолло выстраивает свои проекты с аналитической точностью. Ее язык строг, выверен и лаконичен. За видимой простотой скрываются наблюдательность и глубокое внимание к деталям. Бесстрастно препарируя действительность, Бертолло удерживает зрителя в состоянии внутреннего напряжения. С 2006 года она работает в составе группы BERTOLLO совместно с мужем — художником, дизайнером и куратором Андреем Бертолло. В их творческом арсенале такие медиа, как видео, фото, живопись, коллаж, уникальная и печатная графика, тексты, арт‑объекты, инсталляции и перформансы. Книга художника — не основная, но значимая для них форма высказывания, особенно когда важно точное и адресное обращение к зрителю.

Книга «Так просто» была создана в 2022 году тиражом 8 экземпляров: тексты и изображения — Елена Бертолло, дизайн — Андрей Бертолло. Под эффектной, но лаконичной красной обложкой скрываются короткие рассказы, напоминающие дневниковые записи, — тонкие, поэтичные, иногда искрометно ироничные. Тексты сопровождаются рисунками, коллажами, принтами на кальке, лавсановой пленке и разных сортах бумаги.

Как и одноименный выставочный проект 2006 года, книга обращается к теме внутренней и внешней экологии, акцентируя внимание на едва заметном. В открывающем издание тексте Елена Бертолло пишет: «Художник тоже иллюзионист, имеет дело с фантазиями и иллюзиями. Он тоже не вписывается в обычные „рамки“ логики — пытается поймать, что ускользает, проявляет едва различимое… Не будьте готовы ни к чему, наблюдайте. Это так важно, так просто». Автор призывает зрителя к сосредоточенности и готовности сомневаться, принимать неопределенность человеческого бытия.

Так просто

Федор Хиросигэ выстраивает мифологию, в которой различные образы и сюжеты изымаются из привычных контекстов и собираются в неожиданных, зачастую абсурдных конфигурациях. Художница объединяет персонажей из комиксов, манги и анимационных телесериалов с героями фольклора. Хиросигэ исследует тему аффекта, часто обращаясь к множественному повторению одного образа или его элементов в различных формах. Она работает с графикой, живописью, видео и перформансом, а также создает деревянные объекты и инсталляции с применением техники пирографии — выжиганием раскаленной иглой. 

«Богиня» — перформативный объект, состоящий из деревянной скульптуры, аудиодорожки и инструкции по взаимодействию с произведением. Работа была создана как часть инсталляции «Глиттер в красную ночь» для Дома Наркомфина. Художникам проекта «Опытная ячейка 13 16 45» предлагалось осмыслить провал коммунистической утопии, выявить идейные упущения, которые возникли при проектировании дома переходного типа, и придумать альтернативные способы жизни в нем. Федор Хиросигэ создала инсталляцию для ритуального взаимодействия с этим рационально сконструированным зданием.

На одной стороне скульптуры изображена Сейлор Мун с ангельскими крыльями — шестая реинкарнация известного персонажа, которая появляется в последнем сезоне аниме‑сериала. В этом воплощении героиня достигает предела своих магических и боевых способностей. Для трансформации она использует сердцевидную брошь, из которой вырывается энергия розового цвета. Оборотная сторона работы полностью закрашена в кроваво‑красный цвет и представляет аллегорию на флаг СССР. Работу сопровождает аудиодорожка со стихотворением Пушкина «Пророк», в котором описывается встреча поэта с шестикрылым серафимом. Превращение в пророка, если воспринимать стихотворение буквально, сопровождает масса насильственных действий, в том числе вырезание сердца с последующей заменой на раскаленный уголь. Наложение двух голосов при прочтении стиха отсылает к механике введения человека в транс. Произведение предъявляет два противоположных подхода к изменению личности в ситуации перехода. Сейлор Мун воплощает здесь альтернативную силу, а наивное, волшебное и феминное предлагается воспринять как актуальное знание и стратегию для внутреннего сопротивления внешнему насилию. Зрительский опыт можно углубить за счет более длительного взаимодействия с работой, доведя просмотр произведения искусства до «медитации на образ» — подобия духовной практики в игровой форме. Медитация, по словам художницы, нацелена на культивирование в зрителе потаенной богини и развитие стойкости перед лицом неизбежного откровения.

 Федор Хиросигэ выстраивает мифологию, в которой различные образы и сюжеты изымаются из привычных контекстов и собираются в неожиданных, зачастую абсурдных конфигурациях. Художница объединяет персонажей из комиксов, манги и анимационных телесериалов с героями фольклора. Хиросигэ исследует тему аффекта, часто обращаясь к множественному повторению одного образа или его элементов в различных формах. Она работает с графикой, живописью, видео и перформансом, а также создает деревянные объекты и инсталляции с применением техники пирографии — выжиганием раскаленной иглой. 

«Богиня» — перформативный объект, состоящий из деревянной скульптуры, аудиодорожки и инструкции по взаимодействию с произведением. Работа была создана как часть инсталляции «Глиттер в красную ночь» для Дома Наркомфина. Художникам проекта «Опытная ячейка 13 16 45» предлагалось осмыслить провал коммунистической утопии, выявить идейные упущения, которые возникли при проектировании дома переходного типа, и придумать альтернативные способы жизни в нем. Федор Хиросигэ создала инсталляцию для ритуального взаимодействия с этим рационально сконструированным зданием.

На одной стороне скульптуры изображена Сейлор Мун с ангельскими крыльями — шестая реинкарнация известного персонажа, которая появляется в последнем сезоне аниме‑сериала. В этом воплощении героиня достигает предела своих магических и боевых способностей. Для трансформации она использует сердцевидную брошь, из которой вырывается энергия розового цвета. Оборотная сторона работы полностью закрашена в кроваво‑красный цвет и представляет аллегорию на флаг СССР. Работу сопровождает аудиодорожка со стихотворением Пушкина «Пророк», в котором описывается встреча поэта с шестикрылым серафимом. Превращение в пророка, если воспринимать стихотворение буквально, сопровождает масса насильственных действий, в том числе вырезание сердца с последующей заменой на раскаленный уголь. Наложение двух голосов при прочтении стиха отсылает к механике введения человека в транс. Произведение предъявляет два противоположных подхода к изменению личности в ситуации перехода. Сейлор Мун воплощает здесь альтернативную силу, а наивное, волшебное и феминное предлагается воспринять как актуальное знание и стратегию для внутреннего сопротивления внешнему насилию. Зрительский опыт можно углубить за счет более длительного взаимодействия с работой, доведя просмотр произведения искусства до «медитации на образ» — подобия духовной практики в игровой форме. Медитация, по словам художницы, нацелена на культивирование в зрителе потаенной богини и развитие стойкости перед лицом неизбежного откровения.

Goddess

With his self‑portrait produced by Dagestani carpet weavers, Shamil Ahmed enters into dialogue with the local tradition, bringing it into his contemporary practice. Carpets featuring a portrait of Imam Shamil—the leader of Caucasus resistance to Imperial Russia during the reigns of Nikolai I and Alexander II—are very popular in Dagestan, where he remains a symbol of independence and great courage. Modern portrait carpets are also produced today, commissioned by families who want to display portraits of their successful or famous relatives. By putting his own portrait on a carpet, however, Shamil Ahmed has created a cultural paradox typical of a multinational empire. His approach is very contemporary: as a post‑studio practitioner, he works exclusively with meanings and commissions others to produce his objects. However, as a Dagestani artist he is struggling to break free from the swamp of xenophobic stereotypes that prescribe a particular path and way of life for the men of the region. In this respect Ahmed is an independence fighter, only he is fighting for independence from clichés and not for those who produce them. As the artist explains, his work looks into “the construction of myth through a poetic whim, and society’s ability to legitimize the absurd.” The carpet is displayed alongside a video of an exhibition of carpets at the Dagestan Museum of Fine Arts.

Idem

Paweł Althamer is a Polish artist, sculptor, and performance artist, and a key figures from Kowalnia (“The Forge”), Grzegorz Kowalski’s studio at the Academy of Fine Arts in Warsaw, which shaped the direction of Polish art in the 1990s. In his practice, Althamer uses unconventional materials, psychophysical techniques, and various forms of social interaction. His collaborations with the Nowolipie group, which supports people with multiple sclerosis, as well as projects such as Common Task with residents of Warsaw’s Bródno district and Einstein Class with troubled teenagers, demonstrate the artist’s interest in participatory art and in blurring the boundaries between art and life. For Althamer, such interaction is not only a therapeutic process but also a way to help people who are often invisible to society reintegrate socially.
In 2021, the artist created a small, landscaped garden next to Garage Museum of Contemporary Art, where otherwise incompatible plants were brought together. It was intended as a space for meditation and contemplation. The installation, titled Silence, was conceived as a meeting place for different social groups, where spiritual and physical practices as well as audio‑description‑based mediations offered new ways to experience reality. The graphic works Untitled were created during the preparation of the installation and involved the local community in collective co‑creation. Together with project curator Andrey Misiano, Althamer organized a house party with artists, musicians, designers, gallerists, and friends, inviting them to record their impressions of the gathering on paper. The artist outlined the composition, while participants filled it with spontaneous gestures: some left playful inscriptions, others wrote down the Bitcoin exchange rate, and someone simply ran a hand across the sheet. The resulting multilayered drawings became a “diary” of collective experience. These works capture the process of shared action in which the boundaries of authorship dissolve and the artistic act becomes a form of communication and spontaneous togetherness.

Paweł Althamer is a Polish artist, sculptor, and performance artist, and a key figures from Kowalnia (“The Forge”), Grzegorz Kowalski’s studio at the Academy of Fine Arts in Warsaw, which shaped the direction of Polish art in the 1990s. In his practice, Althamer uses unconventional materials, psychophysical techniques, and various forms of social interaction. His collaborations with the Nowolipie group, which supports people with multiple sclerosis, as well as projects such as Common Task with residents of Warsaw’s Bródno district and Einstein Class with troubled teenagers, demonstrate the artist’s interest in participatory art and in blurring the boundaries between art and life. For Althamer, such interaction is not only a therapeutic process but also a way to help people who are often invisible to society reintegrate socially.
In 2021, the artist created a small, landscaped garden next to Garage Museum of Contemporary Art, where otherwise incompatible plants were brought together. It was intended as a space for meditation and contemplation. The installation, titled Silence, was conceived as a meeting place for different social groups, where spiritual and physical practices as well as audio‑description‑based mediations offered new ways to experience reality. The graphic works Untitled were created during the preparation of the installation and involved the local community in collective co‑creation. Together with project curator Andrey Misiano, Althamer organized a house party with artists, musicians, designers, gallerists, and friends, inviting them to record their impressions of the gathering on paper. The artist outlined the composition, while participants filled it with spontaneous gestures: some left playful inscriptions, others wrote down the Bitcoin exchange rate, and someone simply ran a hand across the sheet. The resulting multilayered drawings became a “diary” of collective experience. These works capture the process of shared action in which the boundaries of authorship dissolve and the artistic act becomes a form of communication and spontaneous togetherness.

Untitled. From the project Silence

Книга «Стихи» — это сборник поэзии независимого сибирского верлибриста Олега Бертолло. Оформление выполнено арт‑группой BERTOLLO — Еленой и Андреем Бертолло (братом Олега).

Новосибирская арт‑группа BERTOLLO работает в поле современного визуального искусства, экспериментируя с материалами, техниками и форматами. В своей практике художники фокусируются на собственных ощущениях и процессе мышления, их работа строится на внимании к подлинности момента, попытке соприкосновения с реальностью. Они часто выходят за пределы собственного авторства — сотрудничают с поэтами, художниками и актерами, реализуют совместные проекты и участвуют в творческих инициативах других. Книга художника — не главный, но значимый медиум в их практике, особенно когда возникает потребность в предельно точном, адресном высказывании — как в случае с книгой «Стихи» Олега Бертолло.

Оформление книги перекликается с визуальным языком проекта «Так просто» того же года: лаконичная красная обложка, аналогичный формат, схожая типография. Стихи сопровождаются сюрреалистичными и емкими графическими вставками (рисунками, принтами, коллажами), выполненными на различных сортах бумаги, включая кальку. Этот проект стал для группы BERTOLLO актом поддержки и жестом глубокой личной солидарности с поэтом — его творческой и жизненной позицией.

Книга «Стихи» — это сборник поэзии независимого сибирского верлибриста Олега Бертолло. Оформление выполнено арт‑группой BERTOLLO — Еленой и Андреем Бертолло (братом Олега).

Новосибирская арт‑группа BERTOLLO работает в поле современного визуального искусства, экспериментируя с материалами, техниками и форматами. В своей практике художники фокусируются на собственных ощущениях и процессе мышления, их работа строится на внимании к подлинности момента, попытке соприкосновения с реальностью. Они часто выходят за пределы собственного авторства — сотрудничают с поэтами, художниками и актерами, реализуют совместные проекты и участвуют в творческих инициативах других. Книга художника — не главный, но значимый медиум в их практике, особенно когда возникает потребность в предельно точном, адресном высказывании — как в случае с книгой «Стихи» Олега Бертолло.

Оформление книги перекликается с визуальным языком проекта «Так просто» того же года: лаконичная красная обложка, аналогичный формат, схожая типография. Стихи сопровождаются сюрреалистичными и емкими графическими вставками (рисунками, принтами, коллажами), выполненными на различных сортах бумаги, включая кальку. Этот проект стал для группы BERTOLLO актом поддержки и жестом глубокой личной солидарности с поэтом — его творческой и жизненной позицией.

Стихи

Ербосын Мельдибеков — казахстанский мультидисциплинарный художник, чья практика сосредоточена на исследовании политических и культурных процессов Центральной Азии. Он осмысляет исторические артефакты, документы и героев, выявляя противоречия, лежащие в основе построения новой национальной идентичности. Цикличность времени, специфика функционирования коллективной памяти и наследие советской идеологии становятся ключевыми темами его работ. Анализ фрагментов прошлого приобретает форму непрерывного визуального исследования: Мельдибеков часто возвращается к одним и тем же сюжетам. Особое место в его искусстве занимает образ памятника как инструмента критического осмысления постсоветской реальности и знака культурных трансформаций региона.
«Пять версий падения автора, или Тридцать лет и три секунды» — это серия скульптур, посвященная размышлениям о природе тоталитарной власти в Центральной Азии. Это пять зафиксированных в статике стадий падения монумента Нурсултану Назарбаеву — бессменному лидеру Казахстана с 1989 по 2019 год. Каждая из фигур отсылает к знаковым эпизодам разрушения памятников XX—XXI веков: Феликсу Дзержинскому в Алматы (1992), Иосифу Сталину в Праге (1962), Владимиру Ленину в Харькове (2014), Саддаму Хусейну в Багдаде (2003) и, наконец, самому Назарбаеву в Талдыкоргане (2022).

Ербосын Мельдибеков — казахстанский мультидисциплинарный художник, чья практика сосредоточена на исследовании политических и культурных процессов Центральной Азии. Он осмысляет исторические артефакты, документы и героев, выявляя противоречия, лежащие в основе построения новой национальной идентичности. Цикличность времени, специфика функционирования коллективной памяти и наследие советской идеологии становятся ключевыми темами его работ. Анализ фрагментов прошлого приобретает форму непрерывного визуального исследования: Мельдибеков часто возвращается к одним и тем же сюжетам. Особое место в его искусстве занимает образ памятника как инструмента критического осмысления постсоветской реальности и знака культурных трансформаций региона.
«Пять версий падения автора, или Тридцать лет и три секунды» — это серия скульптур, посвященная размышлениям о природе тоталитарной власти в Центральной Азии. Это пять зафиксированных в статике стадий падения монумента Нурсултану Назарбаеву — бессменному лидеру Казахстана с 1989 по 2019 год. Каждая из фигур отсылает к знаковым эпизодам разрушения памятников XX—XXI веков: Феликсу Дзержинскому в Алматы (1992), Иосифу Сталину в Праге (1962), Владимиру Ленину в Харькове (2014), Саддаму Хусейну в Багдаде (2003) и, наконец, самому Назарбаеву в Талдыкоргане (2022). 

Пять версий падения автора, или Тридцать лет и три секунды

1. Открытый доступ

Мастер

BERTOLLO

Bertollo Andrey

Althamer Pawel

Shamil Ahmed (b. 1991, Artybash, Altai Republic) works with personal experiences and researches statements broadcast by new media. He is interested in architecture, the ruins of the Soviet past, and mechanisms of myth‑building. He makes sculptures, installations and photo and video works.

Ahmed Shamil

Born in Chelyabinsk. Olga Grotova is an artist. She has a master’s degree in Painting from the Royal College of Art, London (2016). She is currently an associate of the Wysing Art Center’s Syllabus VI, an artist development programme conceived in collaboration with the UK art institutions Studio Voltaire, Iniva, Eastside Projects, and Spike Island. She is a recipient of the Space Artist Award (2021) and the Arts Council England DYCP Award (2021). Recent exhibitions include: Fifth Wave (curated by Ivan Novikov), Garage Museum of Contemporary Art and Moscow Museum of Architecture (2021) and Debris on a Luminous Plain , Centrala Birmingham, Oslo Kunstforening, Mimosa House, London), Osnova Gallery, Moscow (2017). She lives and works in London.

Grotova Olga

Родился в поселке Тюлькубас (Казахская ССР). Окончил Казахскую национальную академию искусств им. Т. Жургенова по специальности «Монументальная скульптура» (1992). Участник Венецианской биеннале (павильон Центральной Азии, 2005, 2011), Биеннале в Кванджу (2012) и Азиатско‑Тихоокеанской триеннале (2012).

Meldibekov Yerbossyn

Seferbekova Gulaet

Khadzhi Ilyas

matiush first 

Born in Tashkent. Saodat Ismailova is a filmmaker and an artist. 
She studied at Uzbekistan State Institute of Arts and Culture and Le Fresnoy National Studio for Contemporary Arts (Tourcoing, France). Her films and video installations have been shown at the Central Asian Pavilion, 5th Venice Biennale (2013), as well as at film festivals in Berlin, Rotterdam, Copenhagen, and Centre Pompidou (Paris). Her stage works have been shown at the Brooklyn Academy of Music (New York), Musée du quai Branly (Paris), and other spaces across the world. She lives and works in Paris and Tashkent.

Catalogue of the Collection

Sort by