On&nbsp;December 15 the 0+ Space will be&nbsp;closed 18:00&ndash;21:00

Please note

Main Collection

Garage Museum of Contemporary Art archive

This video work by the young video artist and director Dasha Likhaya has been put together from recordings from her personal archive, shoots made for this film, and found recordings. It is constructed as a new artistic world which is close to the genre of autofiction. The main character in the film talks on the phone to her ex, reading out the text of her film application and sharing everyday news. She experiences discomfort and poeticness during this intimate dialogue, even to the extent of a physical feeling of her own powerlessness. 

The artist creates a situation in which the viewer is an accidental witness to private conversations. Documentary and found materials are transformed into artifacts of the artistic world of the film, as if they were part of its reality. The extreme zoom, which makes the images abstract, the superimposition of screens, and the materiality of the screen space support this delicate construction.

Everyday life becomes a field in which deep sensual experiences unfold: the registers of the everyday and the highly emotional alternate and encourage each other. 

At Garage the work is presented as an installation: the slight vibrations of the parachute fabric on which it is projected match the film's plot and create a special tactility of perception, changing the geometry and color of the video, but simultaneously saturating them with the randomness of movement.

This video work by the young video artist and director Dasha Likhaya has been put together from recordings from her personal archive, shoots made for this film, and found recordings. It is constructed as a new artistic world which is close to the genre of autofiction. The main character in the film talks on the phone to her ex, reading out the text of her film application and sharing everyday news. She experiences discomfort and poeticness during this intimate dialogue, even to the extent of a physical feeling of her own powerlessness. 

The artist creates a situation in which the viewer is an accidental witness to private conversations. Documentary and found materials are transformed into artifacts of the artistic world of the film, as if they were part of its reality. The extreme zoom, which makes the images abstract, the superimposition of screens, and the materiality of the screen space support this delicate construction.

Everyday life becomes a field in which deep sensual experiences unfold: the registers of the everyday and the highly emotional alternate and encourage each other. 

At Garage the work is presented as an installation: the slight vibrations of the parachute fabric on which it is projected match the film's plot and create a special tactility of perception, changing the geometry and color of the video, but simultaneously saturating them with the randomness of movement.

A Text for a Film Application

Artist and CGI specialist Sara Culmann often works with digital drawing, creating scenes in a game engine and matching her lines of research with machinima poetics. Agency of Nowhen is an online platform with short videos imitating the logic of paid content services. The project describes diverse aspects of the phenomenon of bias‑cognitive distortion of the perception of information that creates an imbalance in collective knowledge.

These episodes combine into a series of video essays exploring individual incidences of the deformation of data and the problems of measuring systems. A number of the subjects are based on a careful study of digital environments, for example the one about the production of a consensus of knowledge in Wikipedia, which is narrated by an anonymous Wiki editor who handles arguments about universality and systems for selecting and checking information. Others offer a poetic and experimental exploration of the experience of the subject’s existence in the extremely heterogeneous and randomly technogenic present day. The artist pays particular attention to failed historical lines, experiences not taken into account by society, and elements that have avoided scientific analysis.

By using a type of streaming interface and splitting the work into short episodes, the artist plays with how knowledge is distributed and how the image is circulated today: in ways that are illusory, accessible, universal, and ephemeral.

Artist and CGI specialist Sara Culmann often works with digital drawing, creating scenes in a game engine and matching her lines of research with machinima poetics. Agency of Nowhen is an online platform with short videos imitating the logic of paid content services. The project describes diverse aspects of the phenomenon of bias‑cognitive distortion of the perception of information that creates an imbalance in collective knowledge.

These episodes combine into a series of video essays exploring individual incidences of the deformation of data and the problems of measuring systems. A number of the subjects are based on a careful study of digital environments, for example the one about the production of a consensus of knowledge in Wikipedia, which is narrated by an anonymous Wiki editor who handles arguments about universality and systems for selecting and checking information. Others offer a poetic and experimental exploration of the experience of the subject’s existence in the extremely heterogeneous and randomly technogenic present day. The artist pays particular attention to failed historical lines, experiences not taken into account by society, and elements that have avoided scientific analysis.

By using a type of streaming interface and splitting the work into short episodes, the artist plays with how knowledge is distributed and how the image is circulated today: in ways that are illusory, accessible, universal, and ephemeral.

Agency of Nowhen

Художница работала в мастерских Музея современного искусства «Гараж» и «Сводах» Дома культуры «ГЭС‑2», документируя процесс собственного труда. В видеоэссе, которое показывается в игровом движке, расширяющем его в виртуальную среду, она использует сканированные модели этих пространств. Она включает в сюжет эссе свои разные роли: пользователя, исследователя, приглашенной художницы, начинающего специалиста по управлению технологическими системами. К примеру, она превращает себя в цифровую иконку — персонажа, выполняющего операторскую функцию во взаимодействии с различными инструментами. Через настраивание диалога между такими расщепляющими типами деятельности matiush first нащупывает то, как изменяется ее идентичность как художницы.

matiush first отталкивается от интерфейса программы Paint и операционных систем 2000‑х, ставших знаковыми для нее в детстве, чтобы начать путешествие по важным для нее мирам художников, теоретиков и режиссеров — Криса Маркера, Оли Лялиной, Харуна Фароки, Хито Штейерль, Розы Менкман и других. Через их размышления и образы, документальные записи и собственный опыт художница прослеживает становление автоматизированных систем создания изображения, приходя к вопросам о разрешении изображения и политических свойствах, скрывающихся в нем.

Одной из важных вех в этом векторе истории технологий для художницы становится появление роботизированных рук, развившихся до сложных манипуляторов, справляющихся с огромным количеством всевозможных операций. matiush first работала с роборукой Kuka, чтобы создать параметрически деформированные модели стульев, собранные с помощью автоматизированной фрезеровки и ручного труда, и начертить карандашный вариант ASCII‑изображения, составленного из алгоритмически искаженных символов, что опять же потребовало специфической ручной настройки и сопровождения. Эти объекты представлены в инсталляции и также оказываются в мире видеоэссе.

В своей работе художница приглашает зрителя к постоянному движению между физическим и виртуальным пространством. В этих перемещениях она отмечает, как ограничения и неточности, с которыми она сталкивалась в процессе труда, становятся особенным средством выразительности и уточняет, как изображение мира меняет его свойства и возможности в нем.

Художница работала в мастерских Музея современного искусства «Гараж» и «Сводах» Дома культуры «ГЭС‑2», документируя процесс собственного труда. В видеоэссе, которое показывается в игровом движке, расширяющем его в виртуальную среду, она использует сканированные модели этих пространств. Она включает в сюжет эссе свои разные роли: пользователя, исследователя, приглашенной художницы, начинающего специалиста по управлению технологическими системами. К примеру, она превращает себя в цифровую иконку — персонажа, выполняющего операторскую функцию во взаимодействии с различными инструментами. Через настраивание диалога между такими расщепляющими типами деятельности matiush first нащупывает то, как изменяется ее идентичность как художницы.

matiush first отталкивается от интерфейса программы Paint и операционных систем 2000‑х, ставших знаковыми для нее в детстве, чтобы начать путешествие по важным для нее мирам художников, теоретиков и режиссеров — Криса Маркера, Оли Лялиной, Харуна Фароки, Хито Штейерль, Розы Менкман и других. Через их размышления и образы, документальные записи и собственный опыт художница прослеживает становление автоматизированных систем создания изображения, приходя к вопросам о разрешении изображения и политических свойствах, скрывающихся в нем.

Одной из важных вех в этом векторе истории технологий для художницы становится появление роботизированных рук, развившихся до сложных манипуляторов, справляющихся с огромным количеством всевозможных операций. matiush first работала с роборукой Kuka, чтобы создать параметрически деформированные модели стульев, собранные с помощью автоматизированной фрезеровки и ручного труда, и начертить карандашный вариант ASCII‑изображения, составленного из алгоритмически искаженных символов, что опять же потребовало специфической ручной настройки и сопровождения. Эти объекты представлены в инсталляции и также оказываются в мире видеоэссе.

В своей работе художница приглашает зрителя к постоянному движению между физическим и виртуальным пространством. В этих перемещениях она отмечает, как ограничения и неточности, с которыми она сталкивалась в процессе труда, становятся особенным средством выразительности и уточняет, как изображение мира меняет его свойства и возможности в нем.

Видя другую игру / rendered in liminal resolution

Artist Olga Grotova’s film explores the tragic events of her own family history, which defined her interest in women’s personal practices of working the land. The artist looks at gardening and the cultivation of smallholdings as a means of female self‑expression and opposition to the repressions and totalitarian pressure. 

In the 1930s thousands of foreigners who had come to the USSR to work became victims of the Great Terror. Like the female relatives of “traitors to the motherland” and “enemies of the people,” the wives, sisters, mothers, and children of foreigners were sent to ALZHIR (Akmolinsk Camp for the Wives of Traitors to the Motherland), a camp within the GULAG system in the Kazakh SSR (now the Republic of Kazakhstan), as relatives of “traitors to the Motherland” and “enemies of the people.” Among the prisoners of that camp were Klavdia and Marina, Grotova’s great‑grandmother and grandmother. 

The corporeality of the video material and the embodiment by the camera, accented by the materiality of the 8 mm film used, is one of the main techniques employed by the artist to create a subtle language for the comprehension of history. Surviving a tragedy of historical proportions proves to be possible thanks to the practice of gardening (both personal and collective, based on mutual assistance), which supported the community of imprisoned women and remained with them for the rest of their lives. This corporeal embodiment of camera and narrator is an important motif for video essay practices, underpinning the complex structure of film and artistic research. 

This work was created as part of the project The Friendship Garden for Garage Field Research.

Artist Olga Grotova’s film explores the tragic events of her own family history, which defined her interest in women’s personal practices of working the land. The artist looks at gardening and the cultivation of smallholdings as a means of female self‑expression and opposition to the repressions and totalitarian pressure. 

In the 1930s thousands of foreigners who had come to the USSR to work became victims of the Great Terror. Like the female relatives of “traitors to the motherland” and “enemies of the people,” the wives, sisters, mothers, and children of foreigners were sent to ALZHIR (Akmolinsk Camp for the Wives of Traitors to the Motherland), a camp within the GULAG system in the Kazakh SSR (now the Republic of Kazakhstan), as relatives of “traitors to the Motherland” and “enemies of the people.” Among the prisoners of that camp were Klavdia and Marina, Grotova’s great‑grandmother and grandmother. 

The corporeality of the video material and the embodiment by the camera, accented by the materiality of the 8 mm film used, is one of the main techniques employed by the artist to create a subtle language for the comprehension of history. Surviving a tragedy of historical proportions proves to be possible thanks to the practice of gardening (both personal and collective, based on mutual assistance), which supported the community of imprisoned women and remained with them for the rest of their lives. This corporeal embodiment of camera and narrator is an important motif for video essay practices, underpinning the complex structure of film and artistic research. 

This work was created as part of the project The Friendship Garden for Garage Field Research.

To My Daughter I WIll Say

Acquired from the artist

Новосибирская художница Елена Бертолло выстраивает свои проекты с аналитической точностью. Ее язык строг, выверен и лаконичен. За видимой простотой скрываются наблюдательность и глубокое внимание к деталям. Бесстрастно препарируя действительность, Бертолло удерживает зрителя в состоянии внутреннего напряжения. С 2006 года она работает в составе группы BERTOLLO совместно с мужем — художником, дизайнером и куратором Андреем Бертолло. В их творческом арсенале такие медиа, как видео, фото, живопись, коллаж, уникальная и печатная графика, тексты, арт‑объекты, инсталляции и перформансы. Книга художника — не основная, но значимая для них форма высказывания, особенно когда важно точное и адресное обращение к зрителю.

Книга «Так просто» была создана в 2022 году тиражом 8 экземпляров: тексты и изображения — Елена Бертолло, дизайн — Андрей Бертолло. Под эффектной, но лаконичной красной обложкой скрываются короткие рассказы, напоминающие дневниковые записи, — тонкие, поэтичные, иногда искрометно ироничные. Тексты сопровождаются рисунками, коллажами, принтами на кальке, лавсановой пленке и разных сортах бумаги.

Как и одноименный выставочный проект 2006 года, книга обращается к теме внутренней и внешней экологии, акцентируя внимание на едва заметном. В открывающем издание тексте Елена Бертолло пишет: «Художник тоже иллюзионист, имеет дело с фантазиями и иллюзиями. Он тоже не вписывается в обычные „рамки“ логики — пытается поймать, что ускользает, проявляет едва различимое… Не будьте готовы ни к чему, наблюдайте. Это так важно, так просто». Автор призывает зрителя к сосредоточенности и готовности сомневаться, принимать неопределенность человеческого бытия.

Новосибирская художница Елена Бертолло выстраивает свои проекты с аналитической точностью. Ее язык строг, выверен и лаконичен. За видимой простотой скрываются наблюдательность и глубокое внимание к деталям. Бесстрастно препарируя действительность, Бертолло удерживает зрителя в состоянии внутреннего напряжения. С 2006 года она работает в составе группы BERTOLLO совместно с мужем — художником, дизайнером и куратором Андреем Бертолло. В их творческом арсенале такие медиа, как видео, фото, живопись, коллаж, уникальная и печатная графика, тексты, арт‑объекты, инсталляции и перформансы. Книга художника — не основная, но значимая для них форма высказывания, особенно когда важно точное и адресное обращение к зрителю.

Книга «Так просто» была создана в 2022 году тиражом 8 экземпляров: тексты и изображения — Елена Бертолло, дизайн — Андрей Бертолло. Под эффектной, но лаконичной красной обложкой скрываются короткие рассказы, напоминающие дневниковые записи, — тонкие, поэтичные, иногда искрометно ироничные. Тексты сопровождаются рисунками, коллажами, принтами на кальке, лавсановой пленке и разных сортах бумаги.

Как и одноименный выставочный проект 2006 года, книга обращается к теме внутренней и внешней экологии, акцентируя внимание на едва заметном. В открывающем издание тексте Елена Бертолло пишет: «Художник тоже иллюзионист, имеет дело с фантазиями и иллюзиями. Он тоже не вписывается в обычные „рамки“ логики — пытается поймать, что ускользает, проявляет едва различимое… Не будьте готовы ни к чему, наблюдайте. Это так важно, так просто». Автор призывает зрителя к сосредоточенности и готовности сомневаться, принимать неопределенность человеческого бытия.

Так просто

Книга «Стихи» — это сборник поэзии независимого сибирского верлибриста Олега Бертолло. Оформление выполнено арт‑группой BERTOLLO — Еленой и Андреем Бертолло (братом Олега).

Новосибирская арт‑группа BERTOLLO работает в поле современного визуального искусства, экспериментируя с материалами, техниками и форматами. В своей практике художники фокусируются на собственных ощущениях и процессе мышления, их работа строится на внимании к подлинности момента, попытке соприкосновения с реальностью. Они часто выходят за пределы собственного авторства — сотрудничают с поэтами, художниками и актерами, реализуют совместные проекты и участвуют в творческих инициативах других. Книга художника — не главный, но значимый медиум в их практике, особенно когда возникает потребность в предельно точном, адресном высказывании — как в случае с книгой «Стихи» Олега Бертолло.

Оформление книги перекликается с визуальным языком проекта «Так просто» того же года: лаконичная красная обложка, аналогичный формат, схожая типография. Стихи сопровождаются сюрреалистичными и емкими графическими вставками (рисунками, принтами, коллажами), выполненными на различных сортах бумаги, включая кальку. Этот проект стал для группы BERTOLLO актом поддержки и жестом глубокой личной солидарности с поэтом — его творческой и жизненной позицией.

Книга «Стихи» — это сборник поэзии независимого сибирского верлибриста Олега Бертолло. Оформление выполнено арт‑группой BERTOLLO — Еленой и Андреем Бертолло (братом Олега).

Новосибирская арт‑группа BERTOLLO работает в поле современного визуального искусства, экспериментируя с материалами, техниками и форматами. В своей практике художники фокусируются на собственных ощущениях и процессе мышления, их работа строится на внимании к подлинности момента, попытке соприкосновения с реальностью. Они часто выходят за пределы собственного авторства — сотрудничают с поэтами, художниками и актерами, реализуют совместные проекты и участвуют в творческих инициативах других. Книга художника — не главный, но значимый медиум в их практике, особенно когда возникает потребность в предельно точном, адресном высказывании — как в случае с книгой «Стихи» Олега Бертолло.

Оформление книги перекликается с визуальным языком проекта «Так просто» того же года: лаконичная красная обложка, аналогичный формат, схожая типография. Стихи сопровождаются сюрреалистичными и емкими графическими вставками (рисунками, принтами, коллажами), выполненными на различных сортах бумаги, включая кальку. Этот проект стал для группы BERTOLLO актом поддержки и жестом глубокой личной солидарности с поэтом — его творческой и жизненной позицией.

Стихи

Татьяна Либерман работает преимущественно с черно‑белой аналоговой фотографией. В начале 1980‑х начала тесно сотрудничать с художником‑акционистом, поэтом и музыкантом Германом Виноградовым, который довольно часто, как и их друзья из художественной среды, становился моделью для спонтанных эстетических экспериментов Либерман. В это время она много работает с мужским обнаженным телом и телесностью в целом, преодолевая советское табу на наготу и доминирующий взгляд в искусстве.
Серия «Человек и зеркало» была снята в 1993 году в московской квартире друга художницы Германа Виноградова, он же и стал моделью для съемок. Проект представляет собой авангардистский эксперимент с нагим телом, симметрией и зеркальными отражениями. Изначально серия включала 12 работ по количеству месяцев, из которых был создан календарь. Однако в коллекцию музея вошли 4 фотографии.

Татьяна Либерман работает преимущественно с черно‑белой аналоговой фотографией. В начале 1980‑х начала тесно сотрудничать с художником‑акционистом, поэтом и музыкантом Германом Виноградовым, который довольно часто, как и их друзья из художественной среды, становился моделью для спонтанных эстетических экспериментов Либерман. В это время она много работает с мужским обнаженным телом и телесностью в целом, преодолевая советское табу на наготу и доминирующий взгляд в искусстве.
Серия «Человек и зеркало» была снята в 1993 году в московской квартире друга художницы Германа Виноградова, он же и стал моделью для съемок. Проект представляет собой авангардистский эксперимент с нагим телом, симметрией и зеркальными отражениями. Изначально серия включала 12 работ по количеству месяцев, из которых был создан календарь. Однако в коллекцию музея вошли 4 фотографии.

Из серии «Человек и зеркало»

1. Открытый доступ

Мастер

BERTOLLO

Родилась в 1964 году, в Москве. Художница, фотограф и преподаватель в Школе им. А. Родченко. Работает преимущественно с черно‑белой аналоговой фотографией. Яркая представительница московской художественной среды 1980-90‑х. Жена фотографа Игоря Мухина. 
Окончила отделение фотографии Московского политехникума в 1985 году и Институт журналистского мастерства в 1987 году. С 1993 года член Союза фотохудожников России. В 1996–1998 годах стипендиат стипендии Президента РФ молодым деятелям культуры. Лауреат конкурса «Серебряный венок» ММКАИ и Московского Дома фотографии 2007 года. 

Участница персональных и групповых выставок Projection в XL Галерее (Москва, 1994), 
Werkstatt Moskau (Zeitgenossische Russische Fotokunst) в Akademie der Kunste im Marstall (Берлин, 1995), Реконструкция в Гете‑Институте (Москва, 1995), Xposition в XL Галерее (Москва, 1996), Женщины России. Антошина, Либерман, Mартынова в Галерее М.Гельмана (Москва, 1996), Renewal and Metamorphosis. Russian Photographers from the Late Soviet Era to the 1990’s в MIT Museum (Кембридж, 1996), After the Wall в Moderna Museet (Стокгольм, 1999), Искусство женского рода в Государственной Третьяковской галерее (Москва, 2022).

Liberman Tatiana

Bertollo Andrey

Родилась в Приозерске (Ленинградская область). Окончила лабораторию неигрового кино в Московской школе нового кино (2022). Ее фильмы были показаны и завоевали призы на международных фестивалях в Москве, Санкт‑Петербурге, Ньоне (Швейцария) и др. Резидентка программы Мастерских и арт‑резиденций Музея «Гараж» (Москва, 2024).

Likhaia Dasha

Born in Chelyabinsk. Olga Grotova is an artist. She has a master’s degree in Painting from the Royal College of Art, London (2016). She is currently an associate of the Wysing Art Center’s Syllabus VI, an artist development programme conceived in collaboration with the UK art institutions Studio Voltaire, Iniva, Eastside Projects, and Spike Island. She is a recipient of the Space Artist Award (2021) and the Arts Council England DYCP Award (2021). Recent exhibitions include: Fifth Wave (curated by Ivan Novikov), Garage Museum of Contemporary Art and Moscow Museum of Architecture (2021) and Debris on a Luminous Plain , Centrala Birmingham, Oslo Kunstforening, Mimosa House, London), Osnova Gallery, Moscow (2017). She lives and works in London.

Grotova Olga

matiush first 

Bertollo Elena

Bertollo Oleg

Born in Kirovsk. Sara Culmann is a media artist. She studied at Stroganov Moscow State University of Arts and Industry and Rodchenko Art School, and in 2012 completed a video art course taught by Provmyza Group from Nizhny Novgorod. She works with time‑based media—found footage, 3D animation and computer games—as well as graphics and objects. Her work has been featured at the Moscow International Biennale for Young Art (2014) and in exhibitions at ISSMAG Gallery, Skolkovo Gallery and Studio, MMOMA, and Electromuseum.

Catalogue of the Collection

Sort by