Основной фонд

Фонд Музея современного искусства «Гараж»

«Озеро» — одна из программных работ группы «Синий суп», в которой их визуальный язык становится узнаваемым и сформированным. Художники с архитектурной точностью сконструировали при помощи 3D‑графики на первый взгляд простую пейзажную сцену: круглое озеро, окруженное лесом. Почти статичный кадр медленно изменяется: покрытая льдом водная гладь оттаивает, мутная вода превращается в зияющую пропасть. Пейзаж вдруг становится подобием зоны отчуждения, образованной в результате то ли прошедшей, то ли разворачивающейся катастрофы — климатической, техногенной или эсхатологической.

 Особая гнетущая темпоральность и располагающиеся на грани возможного образы становятся для группы «Синий суп» основой для создания собственного способа построения нарратива и постепенного отказа от него. Стремящаяся к реалистичной 3D‑симуляция создает эффект «зловещей долины». Произведение «Озеро» продолжает традиции метафизического пейзажа, когда художники передают ощущения от созерцания ландшафта не только как от физически осязаемого объекта, но и как от чего‑то неуловимого, мистического и таинственного. Важным во встрече с предложенным миром становится зрительское восприятие — от телесного ответа, ощущения соразмерности до чувства беспомощности и загадочной неотвратимости неподконтрольного человеку процесса.

 В 2008 году видео стало лауреатом Всероссийского конкурса в области современного искусства «Инновация» в номинации «Произведение визуального искусства».

 «Озеро» — одна из программных работ группы «Синий суп», в которой их визуальный язык становится узнаваемым и сформированным. Художники с архитектурной точностью сконструировали при помощи 3D‑графики на первый взгляд простую пейзажную сцену: круглое озеро, окруженное лесом. Почти статичный кадр медленно изменяется: покрытая льдом водная гладь оттаивает, мутная вода превращается в зияющую пропасть. Пейзаж вдруг становится подобием зоны отчуждения, образованной в результате то ли прошедшей, то ли разворачивающейся катастрофы — климатической, техногенной или эсхатологической.

 Особая гнетущая темпоральность и располагающиеся на грани возможного образы становятся для группы «Синий суп» основой для создания собственного способа построения нарратива и постепенного отказа от него. Стремящаяся к реалистичной 3D‑симуляция создает эффект «зловещей долины». Произведение «Озеро» продолжает традиции метафизического пейзажа, когда художники передают ощущения от созерцания ландшафта не только как от физически осязаемого объекта, но и как от чего‑то неуловимого, мистического и таинственного. Важным во встрече с предложенным миром становится зрительское восприятие — от телесного ответа, ощущения соразмерности до чувства беспомощности и загадочной неотвратимости неподконтрольного человеку процесса.

 В 2008 году видео стало лауреатом Всероссийского конкурса в области современного искусства «Инновация» в номинации «Произведение визуального искусства». 

Озеро

Людмила Горлова принадлежит к поколению, пришедшему на московскую художественную сцену в начале 1990‑х годов. Так же как и для художников‑ровесников, для нее новая реальность стала и сложным вызовом, и своего рода привилегией — динамичные социально политические трансформации десятилетия требовали обновленного языка и моментальных реакций на очередные эпохальные сломы. В ее искусстве отражены самые острые вопросы современного общества: подростковый негативизм, гендерное неравенство и проблемы молодежи.
Съемки видео Happy End велись в течение многих дней на смотровой площадке Воробьевых гор, куда по традиции до сих пор приезжают новобрачные. Все в кадре узнаваемо и понятно, даже тривиально — нестройный хор, расстроенный оркестр, неловкие танцы молодоженов и отчаянное веселье подвыпивших гостей… Работа Горловой, с одной стороны, продолжает традиции русской жанровой живописи, где с середины XIX века художники через ритуальность показывают состояние общества — например, в знаменитых «Сватовстве майора» Павла Федотова (1848) или «Не равном браке» Василия Пукирева (1862) из собрания Государственной Третьяковской галереи. С другой — предвосхищает тренды массовой культуры, известные по фильму «Горько!» (2013) Жоры Крыжовникова или реалити‑шоу «Четыре свадьбы» (c 2018), в которых традиции превращаются в гротескные формальности.
Виртуозный монтаж превращает документальную съемку в универсальную метафору человеческого счастья, возможного несмотря ни на какие «ветры перемен» и общую неустойчивость жизни конца XX — начала XXI века. Happy End становится и поэтическим комментарием к повседневности, и ярким примером свадебной антропологии.

Людмила Горлова принадлежит к поколению, пришедшему на московскую художественную сцену в начале 1990‑х годов. Так же как и для художников‑ровесников, для нее новая реальность стала и сложным вызовом, и своего рода привилегией — динамичные социально политические трансформации десятилетия требовали обновленного языка и моментальных реакций на очередные эпохальные сломы. В ее искусстве отражены самые острые вопросы современного общества: подростковый негативизм, гендерное неравенство и проблемы молодежи.
Съемки видео Happy End велись в течение многих дней на смотровой площадке Воробьевых гор, куда по традиции до сих пор приезжают новобрачные. Все в кадре узнаваемо и понятно, даже тривиально — нестройный хор, расстроенный оркестр, неловкие танцы молодоженов и отчаянное веселье подвыпивших гостей… Работа Горловой, с одной стороны, продолжает традиции русской жанровой живописи, где с середины XIX века художники через ритуальность показывают состояние общества — например, в знаменитых «Сватовстве майора» Павла Федотова (1848) или «Не равном браке» Василия Пукирева (1862) из собрания Государственной Третьяковской галереи. С другой — предвосхищает тренды массовой культуры, известные по фильму «Горько!» (2013) Жоры Крыжовникова или реалити‑шоу «Четыре свадьбы» (c 2018), в которых традиции превращаются в гротескные формальности.
Виртуозный монтаж превращает документальную съемку в универсальную метафору человеческого счастья, возможного несмотря ни на какие «ветры перемен» и общую неустойчивость жизни конца XX — начала XXI века. Happy End становится и поэтическим комментарием к повседневности, и ярким примером свадебной антропологии.

Happy End

Художественная группа «Провмыза» работает на стыке видеоарта, кино, театра и перформанса, превращая каждый проект в эксперимент с формой, восприятием и жанровыми пределами выразительности. Название группы составлено из фамилий участников — Галины Мызниковой и Сергея Проворова. Их интерес к радикальному переосмыслению возможностей медиаискусства начался с увлечения поэтическими экспериментами в конце 1980‑х и работы на нижегородском телевидении в 1990‑е. Видеоработы, инсталляции и перформансы дуэта — это философско‑метафизические пространства, погружающие зрителя в интенсивное эмоциональное переживание. 

Действие «Фуги» разворачивается в концертном зале, где звучит органная музыка. Пассивные зрители внезапно оказываются под воздействием мощных воздушных потоков, подчиненных музыкальным импульсам. Голоса публики тонут в шуме, лишь изредка прорываясь сквозь гул органа и завывание ветра. Художники запечатлевают групповой портрет — дестабилизированных и вовлеченных в хаотическое движение людей. Орган утрачивает свое функциональное назначение, обретая ирреально‑демоническую сущность. Он превращается в источник подавления и насилия, буквально вытесняя речь, дыхание и равновесие аудитории концерта. «Фуга» ставит под вопрос границу между эстетическим восприятием и физиологическим переживанием, а также становится тревожным напоминанием о том, что привычные явления могут таить в себе потенциальную угрозу.

Художественная группа «Провмыза» работает на стыке видеоарта, кино, театра и перформанса, превращая каждый проект в эксперимент с формой, восприятием и жанровыми пределами выразительности. Название группы составлено из фамилий участников — Галины Мызниковой и Сергея Проворова. Их интерес к радикальному переосмыслению возможностей медиаискусства начался с увлечения поэтическими экспериментами в конце 1980‑х и работы на нижегородском телевидении в 1990‑е. Видеоработы, инсталляции и перформансы дуэта — это философско‑метафизические пространства, погружающие зрителя в интенсивное эмоциональное переживание. 

Действие «Фуги» разворачивается в концертном зале, где звучит органная музыка. Пассивные зрители внезапно оказываются под воздействием мощных воздушных потоков, подчиненных музыкальным импульсам. Голоса публики тонут в шуме, лишь изредка прорываясь сквозь гул органа и завывание ветра. Художники запечатлевают групповой портрет — дестабилизированных и вовлеченных в хаотическое движение людей. Орган утрачивает свое функциональное назначение, обретая ирреально‑демоническую сущность. Он превращается в источник подавления и насилия, буквально вытесняя речь, дыхание и равновесие аудитории концерта. «Фуга» ставит под вопрос границу между эстетическим восприятием и физиологическим переживанием, а также становится тревожным напоминанием о том, что привычные явления могут таить в себе потенциальную угрозу.

Фуга

«Провмыза» — дуэт Галины Мызниковой и Сергея Проворова, работающий на стыке видеоарта, кино, театра, перформанса и инсталляции. Художники создают синтетические произведения, объединяющие формальные эксперименты и философскую рефлексию. Их работы пронизаны атмосферой тревоги, экзистенциальной неустойчивости и ощущением неминуемой обреченности. 

Сюжет видеоработы «Капель» (2009), снятой при поддержке Академического киноцентра при Доме культуры «Студенческий городок» (Белград), основан на знаменитой фотографии «Угасание» (1858) английского пикториалиста Генри Пича Робинсона. На снимке изображена умирающая девушка в постели, окруженная близкими. Для Галины Мызниковой и Сергея Проворова работа над «Капелью» стала актом личного проживания утраты — в тот период медленно угасал их близкий друг. Художники не стремились оживить фотографию, но искали визуальный эквивалент внутреннего состояния, метафору, способную выразить непреходящую грусть и трагичность. Построенное как камерная театральная мизансцена, видео перерабатывает классические мотивы искусства и драматургические коды. «Солнечный свет и ветер, обладающие почти метафизическими качествами, вновь и вновь проникают в пространство кадра и наполняют действие тонкими экзистенциальными и поэтическими смыслами. Конец близок. Но жизненный процесс не прерывается: он принимает форму воды, медленно заполняющей кровать и — словно продолжая сентиментальный сюжет — превращается в капель», — говорят художники.

«Провмыза» — дуэт Галины Мызниковой и Сергея Проворова, работающий на стыке видеоарта, кино, театра, перформанса и инсталляции. Художники создают синтетические произведения, объединяющие формальные эксперименты и философскую рефлексию. Их работы пронизаны атмосферой тревоги, экзистенциальной неустойчивости и ощущением неминуемой обреченности. 

Сюжет видеоработы «Капель» (2009), снятой при поддержке Академического киноцентра при Доме культуры «Студенческий городок» (Белград), основан на знаменитой фотографии «Угасание» (1858) английского пикториалиста Генри Пича Робинсона. На снимке изображена умирающая девушка в постели, окруженная близкими. Для Галины Мызниковой и Сергея Проворова работа над «Капелью» стала актом личного проживания утраты — в тот период медленно угасал их близкий друг. Художники не стремились оживить фотографию, но искали визуальный эквивалент внутреннего состояния, метафору, способную выразить непреходящую грусть и трагичность. Построенное как камерная театральная мизансцена, видео перерабатывает классические мотивы искусства и драматургические коды. «Солнечный свет и ветер, обладающие почти метафизическими качествами, вновь и вновь проникают в пространство кадра и наполняют действие тонкими экзистенциальными и поэтическими смыслами. Конец близок. Но жизненный процесс не прерывается: он принимает форму воды, медленно заполняющей кровать и — словно продолжая сентиментальный сюжет — превращается в капель», — говорят художники.

Капель

Приобретено у Юлии Козловой

Приобретено у художницы

Приобретено у художника

Приобретено у художников

Приобретено в галерее XL, Москва

В своем искусстве Аня Желудь обращалась к простым и повседневным вещам — предметам быта и интерьера, наделяя их символическим значением. Бидоны, вазы с цветами и домашние тапочки становились персонажами ее пристального вглядывания. Метод Желудь — в живописи, графике или пространственных конструкциях — строился на минимализме выразительных средств, строгой линии и аскетичной пластике формы, в которых «красота неприглядности» приобретает убедительность и поэтическую значимость.

Картина «20 кг глины» относится к раннему периоду творчества, когда Желудь, по словам критиков, нашла свой узнаваемый почерк «опустошенных вещей». В это время складывалась одна из ключевых тем ее творчества — взаимодействие телесности человека и материальности предмета. Необработанная глина таит в себе следы будущих прикосновений, непроявленный потенциал. Именно поэтому она обрела портретную самодостаточность, концентрируя стремление художницы раскрыть внутреннюю силу любого объекта, преодолеть его несовершенство и попытаться проникнуть вглубь, приблизившись к красоте души.

В своем искусстве Аня Желудь обращалась к простым и повседневным вещам — предметам быта и интерьера, наделяя их символическим значением. Бидоны, вазы с цветами и домашние тапочки становились персонажами ее пристального вглядывания. Метод Желудь — в живописи, графике или пространственных конструкциях — строился на минимализме выразительных средств, строгой линии и аскетичной пластике формы, в которых «красота неприглядности» приобретает убедительность и поэтическую значимость.

Картина «20 кг глины» относится к раннему периоду творчества, когда Желудь, по словам критиков, нашла свой узнаваемый почерк «опустошенных вещей». В это время складывалась одна из ключевых тем ее творчества — взаимодействие телесности человека и материальности предмета. Необработанная глина таит в себе следы будущих прикосновений, непроявленный потенциал. Именно поэтому она обрела портретную самодостаточность, концентрируя стремление художницы раскрыть внутреннюю силу любого объекта, преодолеть его несовершенство и попытаться проникнуть вглубь, приблизившись к красоте души.

20 кг глины

Абрикосы

Евгений Стрелков — нижегородский художник, поэт, сооснователь дизайн‑студии «Дирижабль» и одноименного издательства, чья практика с конца 1990‑х годов развивается в русле расширенного понимания книги как медийного и концептуального поля. Более тридцати лет он исследует возможности графики как языка, способного одновременно фиксировать, трансформировать и комментировать культурные нарративы — от локального краеведения до фантастических реконструкций прошлого.

В альманахе «Ч/Б», запущенном в 2003 году Стрелковым и Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва), каждый выпуск представляет собой авторское издание, в котором объединены принципы тиражной графики и книги художника. «Поворот рек» — второй выпуск «Ч/Б», состоящий из черно‑белых шелкографий с изображениями топографических карт и коротких текстов. Название отсылает к утопическому советскому проекту поворота северных рек, ставшему символом претенциозного и безрассудного, но не осуществившегося вмешательства человека в природную среду. Сегодня эти идеи обретают новое звучание: созданные художником примеры трансформации русла Волги превращаются в ироничную и едкую метафору идеологических и политических манипуляций, доведенных до гротеска. Художник противопоставляет этим амбициям образ великой реки как целостного и органичного мира.

Евгений Стрелков — нижегородский художник, поэт, сооснователь дизайн‑студии «Дирижабль» и одноименного издательства, чья практика с конца 1990‑х годов развивается в русле расширенного понимания книги как медийного и концептуального поля. Более тридцати лет он исследует возможности графики как языка, способного одновременно фиксировать, трансформировать и комментировать культурные нарративы — от локального краеведения до фантастических реконструкций прошлого.

В альманахе «Ч/Б», запущенном в 2003 году Стрелковым и Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва), каждый выпуск представляет собой авторское издание, в котором объединены принципы тиражной графики и книги художника. «Поворот рек» — второй выпуск «Ч/Б», состоящий из черно‑белых шелкографий с изображениями топографических карт и коротких текстов. Название отсылает к утопическому советскому проекту поворота северных рек, ставшему символом претенциозного и безрассудного, но не осуществившегося вмешательства человека в природную среду. Сегодня эти идеи обретают новое звучание: созданные художником примеры трансформации русла Волги превращаются в ироничную и едкую метафору идеологических и политических манипуляций, доведенных до гротеска. Художник противопоставляет этим амбициям образ великой реки как целостного и органичного мира.

Альманах «Ч/Б». Выпуск «Поворот рек»

Груша

Груши

Евгений Стрелков — нижегородский художник, поэт, сооснователь дизайн‑студии «Дирижабль» и одноименного издательства. Более 30 лет он работает в жанре книги художника. Его проекты основаны на тонком взаимодействии графики и текста, а также образного и научного подходов и зачастую направлены на изучение локальной культурной памяти. В 2003 году совместно с Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва) он создал альманах «Ч/Б» для исследований в области современной графики — от классических техник до цифровых форматов. В основе каждого выпуска лежит книга художника как основной медиум, соединенный с принципами периодического издания.


Выпуск «Вокал кефали» состоит из четырех несброшюрованных листов, выполненных в технике черно‑белой шелкографии и сложенных пополам. Работа основана на исследовании привычного ялтинского пейзажа — набережной, где под Рождество собираются рыбаки в надежде поймать кефаль. Стрелков трактует расположение людей как визуальные сигналы: ритмы их присутствия, зафиксированные в виде криволинейных графиков, зависят от времени суток, погоды, праздников и даже расписания телепередач. Эти данные художник преобразовал в звук с помощью компьютерной программы. Так возник условный «вокал кефали» — акустическая метафора, соединяющая два скрытых мира: подводную жизнь, недоступную невооруженному взгляду, и повседневную человеческую реальность, столь же загадочную в своей обыденности.

Евгений Стрелков — нижегородский художник, поэт, сооснователь дизайн‑студии «Дирижабль» и одноименного издательства. Более 30 лет он работает в жанре книги художника. Его проекты основаны на тонком взаимодействии графики и текста, а также образного и научного подходов и зачастую направлены на изучение локальной культурной памяти. В 2003 году совместно с Андреем Суздалевым (издательство Alcool, Москва) он создал альманах «Ч/Б» для исследований в области современной графики — от классических техник до цифровых форматов. В основе каждого выпуска лежит книга художника как основной медиум, соединенный с принципами периодического издания.


Выпуск «Вокал кефали» состоит из четырех несброшюрованных листов, выполненных в технике черно‑белой шелкографии и сложенных пополам. Работа основана на исследовании привычного ялтинского пейзажа — набережной, где под Рождество собираются рыбаки в надежде поймать кефаль. Стрелков трактует расположение людей как визуальные сигналы: ритмы их присутствия, зафиксированные в виде криволинейных графиков, зависят от времени суток, погоды, праздников и даже расписания телепередач. Эти данные художник преобразовал в звук с помощью компьютерной программы. Так возник условный «вокал кефали» — акустическая метафора, соединяющая два скрытых мира: подводную жизнь, недоступную невооруженному взгляду, и повседневную человеческую реальность, столь же загадочную в своей обыденности.

Альманах «Ч/Б». Выпуск «Вокал кефали»

Яблоко

Кожура

Баклажан

Свекла

Кабачок

Основным жанром, в котором работает Нина Котёл, является концептуальный натюрморт, ритмичное нагромождение объектов и предметов, типологически связанных друг с другом. Чаще всего она изображает повседневные вещи с натуры, фокусируясь на их интересной форме. В ее композициях вещи как будто увидены боковым зрением, исподтишка, что придает им динамизм на грани беспредметности. В ранней графической серии «Обрезки» (1982) абстрактные ленты из паспарту сопровождались изображением безопасной бритвы. 

В серии «Незащищенные» фрукты и овощи, очищенные от кожуры, чаще всего находятся в центре композиции, что для Котёл не характерно. По словам художницы, их формы привлекли ее сходством со скалами и морями романтических пейзажей. В отдельной монументальной композиции мы видим вереницу шкурок, снятых с индивидуальных объектов серии — отсылку к бумажным «Обрезкам». 

Очищая опознаваемую оболочку, Котёл раскрывает сложную пластику органической материи. Интересно, что тщательно нарисованные грани срезов напоминают аккуратные, геометрические мазки Сезанна и его русских последователей из объединения «Бубновый валет». Может быть, обработка поваром овощей и фруктов не слишком отличается от того, как художник «готовит» объекты перед тем, как поместить их в картинную плоскость? 

Эту серию, выставлявшуюся также под названием «Без кожи», Котёл начала в 1995 году, вернулась к ней в 2001 году и никому не показывала до персональной выставки «Незащищенные» (2021), дополненной новыми вариациями на тему, в Крокин галерее.

Основным жанром, в котором работает Нина Котёл, является концептуальный натюрморт, ритмичное нагромождение объектов и предметов, типологически связанных друг с другом. Чаще всего она изображает повседневные вещи с натуры, фокусируясь на их интересной форме. В ее композициях вещи как будто увидены боковым зрением, исподтишка, что придает им динамизм на грани беспредметности. В ранней графической серии «Обрезки» (1982) абстрактные ленты из паспарту сопровождались изображением безопасной бритвы. 

В серии «Незащищенные» фрукты и овощи, очищенные от кожуры, чаще всего находятся в центре композиции, что для Котёл не характерно. По словам художницы, их формы привлекли ее сходством со скалами и морями романтических пейзажей. В отдельной монументальной композиции мы видим вереницу шкурок, снятых с индивидуальных объектов серии — отсылку к бумажным «Обрезкам». 

Очищая опознаваемую оболочку, Котёл раскрывает сложную пластику органической материи. Интересно, что тщательно нарисованные грани срезов напоминают аккуратные, геометрические мазки Сезанна и его русских последователей из объединения «Бубновый валет». Может быть, обработка поваром овощей и фруктов не слишком отличается от того, как художник «готовит» объекты перед тем, как поместить их в картинную плоскость? 

Эту серию, выставлявшуюся также под названием «Без кожи», Котёл начала в 1995 году, вернулась к ней в 2001 году и никому не показывала до персональной выставки «Незащищенные» (2021), дополненной новыми вариациями на тему, в Крокин галерее. 

Патиссон

Евгений Стрелков — художник, поэт, эссеист и куратор, чья многогранная практика органично сочетает графический дизайн, мультимедиа, инсталляцию, ленд‑арт и книгу художника. Пришедший в искусство из мира физики, он неизменно сохраняет интерес к рациональному знанию, оставаясь верным «стимпанковской инженерной эстетике и научной романтике XIX века». Стрелков — сооснователь нижегородской дизайн‑студии «Дирижабль», возникшей в 1995 году как практическое продолжение одноименного литературно‑художественного альманаха, первый выпуск которого увидел свет в 1992 году. Проекты студии охватывают издательскую деятельность, создание звуковых и анимационных работ, а также дизайн выставочных экспозиций.


Уже три десятилетия Стрелков развивает жанр книги художника в России. Его практика демонстрирует пластичность графического мышления и способность адаптироваться к новым визуальным контекстам, исследуя возможности изобразительного языка для анализа и осмысления культурной памяти.
«Каталог проекций» — это своеобразный рабочий дневник: черновики выставочных проектов и книг художника, созданных и выпущенных в течение трех лет (1997–1999) — от «Воздушной Арктики» до ленд‑арт инсталляции «Каллиграфия времени». Проекты обозначены буквами от a до k и расположены не хронологически, а ассоциативно: перекрестные отверстия в страницах создают визуальные и смысловые связи между разными работами. Печать белым по черному не только отсылает к фотонегативу — метафоре еще не проявленного замысла, — но и формирует особый режим восприятия: зритель словно заглядывает в лабораторию художника, где идет сортировка, сопоставление и переосмысление идей. В этом контексте Стрелков выступает в роли ироничного «натуралиста», систематизирующего не флору или фауну, а собственные художественные интенции.

Евгений Стрелков — художник, поэт, эссеист и куратор, чья многогранная практика органично сочетает графический дизайн, мультимедиа, инсталляцию, ленд‑арт и книгу художника. Пришедший в искусство из мира физики, он неизменно сохраняет интерес к рациональному знанию, оставаясь верным «стимпанковской инженерной эстетике и научной романтике XIX века». Стрелков — сооснователь нижегородской дизайн‑студии «Дирижабль», возникшей в 1995 году как практическое продолжение одноименного литературно‑художественного альманаха, первый выпуск которого увидел свет в 1992 году. Проекты студии охватывают издательскую деятельность, создание звуковых и анимационных работ, а также дизайн выставочных экспозиций.


Уже три десятилетия Стрелков развивает жанр книги художника в России. Его практика демонстрирует пластичность графического мышления и способность адаптироваться к новым визуальным контекстам, исследуя возможности изобразительного языка для анализа и осмысления культурной памяти.
«Каталог проекций» — это своеобразный рабочий дневник: черновики выставочных проектов и книг художника, созданных и выпущенных в течение трех лет (1997–1999) — от «Воздушной Арктики» до ленд‑арт инсталляции «Каллиграфия времени». Проекты обозначены буквами от a до k и расположены не хронологически, а ассоциативно: перекрестные отверстия в страницах создают визуальные и смысловые связи между разными работами. Печать белым по черному не только отсылает к фотонегативу — метафоре еще не проявленного замысла, — но и формирует особый режим восприятия: зритель словно заглядывает в лабораторию художника, где идет сортировка, сопоставление и переосмысление идей. В этом контексте Стрелков выступает в роли ироничного «натуралиста», систематизирующего не флору или фауну, а собственные художественные интенции.

Каталог проекций

1. Открытый доступ

Мастер

Провмыза

Синий суп

Родилась в Ленинграде. Училась в Санкт‑Петербургском художественном училище им. Н. К. Рериха и Санкт‑Петербургской государственной художественно‑промышленной академии им. А. Л. Штиглица. Участница Основного проекта 53‑й Венецианской биеннале (2009). Лауреат Всероссийского конкурса в области современного визуального искусства «Инновация» в номинации «Новая генерация» (2010).

Жёлудь Анна

Хазан Дмитрий

Стрелков Евгений

Родилась в Москве. Окончила Московское художественное училище Памяти 1905 года (1988). Член Московского союза художников. Участвует в выставках с 1988 года. Сотрудничает с галереей XL. Работы находятся в собраниях Московского музея современного искусства, Мультимедиа Арт Музея, Москва, Государственного центра современного искусства (ныне РОСИЗО) и др.

Горлова Людмила

Котёл Нина

Циберев Алексей

Музей современного искусства «Гараж», Россия

2000‑е

Медиаискусство

Живопись

Видео

Анимация

Видеоарт

Графика

Книга художника

Да

Автор

При участии

Незащищенные (Без кожи)

В запаснике

7-9 лет

10-14 лет

15-17 лет

0-6 лет

Изобразительное искусство

Архитектура

Фотография

Журналистика

Психология

Музыка

Семейные

Поток

Серия

Семинары, воркшопы и тренинги

Лекции и дискуссии

Концерты, спектакли и перформансы

Кинопоказы

Выставки

Курсы

Экскурсии

Конференции

Выставки и проекты

Новость

Интервью

Talks

Циклы лекций

Конференции и семинары

Презентации книг

Арт Гид

Издательская программа Музея современного искусства «Гараж»

Спонсоры, патроны и партнеры

Информационные партнеры

Cовместная издательская программа Музея современного искусства «Гараж» и Artguide Editions

Международная издательская программа Музея «Гараж»

События библиотеки

Книги на английском

Garage Кино

Русский

Английский

Двуязычное издание (русский, английский)

Кинопрограммы

Клуб Музея «Гараж»

Программы к выставкам

События

Garage Live

Garage Dance

Академическая программа

Гранты

Полевые исследования

Клуб GARAGE

Патронство

Мастерские Музея «Гараж»

Mosaic Music

GARAGE студенческая

Гараж.txt

Кинофестиваль

Кинопрокат

Жестовый язык

Ментальные особенности

Миграционный опыт

Тифлокомментарий

Тактильные модели

Руководства по доступности

Физическая доступность

GARAGE индивидуальная

Цифровая доступность

Разнообразие

Мероприятия в «Гараже»

Garage Screen

Издательская программа Музея современного искусства «Гараж» и издательство Strelka Press

Текст

Аудио

Спецпроект

Путеводитель

GARAGE индивидуальная+1

Исследовательские лаборатории

Художественные исследования

Перевод на русский жестовый язык

Субтитры

Адаптированные экскурсии

Тихая комната

Перевод на узбекский, таджикский, кыргызский языки 

GARAGE премиум

«Мы храним наши белые сны»

«Пространство 1520»

Современная критическая мысль

Директорская серия

The Garage Journal

GARAGE круг ценителей 

Темпоральность

Инвалидность

Аффект

Преодоление

Искусство

Тело

Вневременность

Ненормативная телесность

GARAGE клуб коллекционеров

Опыт другого

Инаковость

Психическое здоровье

Травма

Личный опыт

Нейросети

Язык

7-11 лет

На ясном языке

Garage Café

Расписание занятий в компьютерном классе

Медиации

Расписание занятий в КК

Олег Баранов Going Down

Подкасты

Полка месяца. Театр

Страница издательской программы

Цикл встреч с резидентами мастерских Музея «Гараж» «Путевка в?..»

Опен-коллы

Полка месяца. Кино

Полка месяца. Современный танец

Проекты «Устная история» и «Устная история 2.0»

Посетителям, передвигающимся на инвалидной коляске

ГАРАЖ.txt

Открытое хранение

Исследовательская лаборатория «Я — бандероль, Вы — штамп»

Исследовательская лаборатория ВОКС kinema

Лаборатория изучения советского искусства Центра авангарда

Каталог коллекции

Сортировать: