Исследование Изабель Грав, проведенное в период арт-бума нулевых, посвящено трансформации арт-рынка и роли художника в условиях неолиберального капитализма. Одно из главных утверждений этой книги сводится к тому, что искусство — это товар, непохожий ни на какой другой.
Когда ведущие аукционисты открыто заявляют, что самые дорогие произведения — самые лучшие, а вкусы коллекционеров важнее мнений критиков, когда работы Дэмиена Хёрста, созданные ассистентами, уходят с молотка за миллионы долларов, а сам он развлекает на вернисажах банкиров и поп-звезд, возникает ощущение тотальной коммерциализации культуры: «…мир искусства, подобно индустрии моды или кино, управляется ныне корпоративными группами и принципом знаменитости». Однако произведения искусства обладают не только рыночной, но и символической ценностью, не конвертируемой ни в одну из известных валют. Эту прибавочную стоимость, мешающую экономике окончательно поглотить эстетику, производят арт-профессионалы. И как бы ни стремились владельцы галерей, аукционных домов и арт-ярмарок избавиться от посредников — чтобы продать максимально выгодно, они все еще вынуждены обращаться к услугам искусствоведов.
Та же логика применима к художникам: лишь учитывая взаимозависимость рыночного и символического капитала, можно создать актуальное искусство. Еще в XIX веке с этой задачей справлялся, к примеру, Гюстав Курбе, чьи провокации были одновременно формой критики салонного официоза и способом привлечь внимание к собственной живописи. Первый художник-суперзвезда Энди Уорхол превратил саму жизнь в перформанс, что позволило ему символически дистанцироваться от образа успешного творца, оставаясь при этом богатым и знаменитым. В наши дни критическую функцию, по мнению Грав, также выполняют художники, подчеркивающие неразрывную связь искусства и коммерции. В качестве примеров она приводит Андреа Фрейзер и Мерлина Карпентера, которым, в отличие от Хёрста или позднего Джеффа Кунса, удается вскрывать и использовать механизмы арт-рынка, не отрицая, но и не обслуживая мейнстрим.
