Основной фонд

В 2011 году Алексей Булдаков и Анастасия Рябова открыли «Агентство Супостат» — междисциплинарную платформу, направленную на изучение, анализ и развитие художественной среды. Видеоинсталляция Attentionwhores осмысляет динамику внимания в информационном шуме. Используя выразительные приемы голливудских триллеров — так называемый «зум Хичкока», тревожную музыку, рваный монтаж — художники направляют взгляд зрителя на маргинальные детали повседневности: пятно на стене, случайный мусор, полиэтиленовый пакет. Они становятся «конкурентами за внимание», обнажая парадокс восприятия: каждая, даже самая несущественная деталь способна претендовать на значимость.

Название отсылает к одноименному интернет‑термину, описывающему человека, который стремится любой ценой привлечь к себе внимание. Для Булдакова и Рябовой это понятие фиксирует двойственность художественной среды: с одной стороны, она подчинена циничной логике производства информационных поводов, с другой — именно искусство способно критически разоблачать эту логику, подсвечивая периферийное и отверженное. В экспозиции контраст большой проекции и маленького монитора, а также намеренно низкое качество изображения превращаются в самостоятельные высказывания. Работа поднимает вопрос о том, что именно заслуживает права на внимание и как его распределение формирует наше восприятие действительности.

В 2011 году Алексей Булдаков и Анастасия Рябова открыли «Агентство Супостат» — междисциплинарную платформу, направленную на изучение, анализ и развитие художественной среды. Видеоинсталляция Attentionwhores осмысляет динамику внимания в информационном шуме. Используя выразительные приемы голливудских триллеров — так называемый «зум Хичкока», тревожную музыку, рваный монтаж — художники направляют взгляд зрителя на маргинальные детали повседневности: пятно на стене, случайный мусор, полиэтиленовый пакет. Они становятся «конкурентами за внимание», обнажая парадокс восприятия: каждая, даже самая несущественная деталь способна претендовать на значимость.

Название отсылает к одноименному интернет‑термину, описывающему человека, который стремится любой ценой привлечь к себе внимание. Для Булдакова и Рябовой это понятие фиксирует двойственность художественной среды: с одной стороны, она подчинена циничной логике производства информационных поводов, с другой — именно искусство способно критически разоблачать эту логику, подсвечивая периферийное и отверженное. В экспозиции контраст большой проекции и маленького монитора, а также намеренно низкое качество изображения превращаются в самостоятельные высказывания. Работа поднимает вопрос о том, что именно заслуживает права на внимание и как его распределение формирует наше восприятие действительности.

Attentionwhores

Художественная группа «Провмыза», основанная Галиной Мызниковой и Сергеем Проворовым, исследует возможности видеоарта, кино, театра и перформанса и превращает каждый проект в эксперимент с формой, восприятием и пределами выразительности. Их произведения пронизаны чувством тревоги и ощущением обреченности, транслируют состояние предельной хрупкости бытия.

«Подснежник», созданный для выставки «Метель» в нижегородском Арсенале, продолжает визуальное исследование зимнего пейзажа, начатое группой в фильме «Отчаяние» (2008). Это художественное размышление о дистанции между человеком и природой. Блуждание несоразмерных ландшафту человеческих фигур прерывает появление инородного элемента — вертолета. По словам художников, это создает «индивидуализированное пространство снежной бури — как особого места со своей историей», и одновременно обозначает «временную границу между спокойствием природы и искусственным хаосом (метелью)». Объединяя несовместимые разрывы между рациональным и эмоциональным восприятием, художники раскрывают уязвимость и одиночество человека.

Художественная группа «Провмыза», основанная Галиной Мызниковой и Сергеем Проворовым, исследует возможности видеоарта, кино, театра и перформанса и превращает каждый проект в эксперимент с формой, восприятием и пределами выразительности. Их произведения пронизаны чувством тревоги и ощущением обреченности, транслируют состояние предельной хрупкости бытия.

«Подснежник», созданный для выставки «Метель» в нижегородском Арсенале, продолжает визуальное исследование зимнего пейзажа, начатое группой в фильме «Отчаяние» (2008). Это художественное размышление о дистанции между человеком и природой. Блуждание несоразмерных ландшафту человеческих фигур прерывает появление инородного элемента — вертолета. По словам художников, это создает «индивидуализированное пространство снежной бури — как особого места со своей историей», и одновременно обозначает «временную границу между спокойствием природы и искусственным хаосом (метелью)». Объединяя несовместимые разрывы между рациональным и эмоциональным восприятием, художники раскрывают уязвимость и одиночество человека. 

Подснежник

«Озеро» — одна из программных работ группы «Синий суп», в которой визуальный язык в работе с пейзажем и нарративом становится узнаваемым и сформированным. Художники с архитектурной точностью сконструировали при помощи 3D‑графики на первый взгляд простую пейзажную сцену: круглое озеро, окруженное лесом. Почти статичный кадр медленно изменяется: покрытое льдом озеро оттаивает, мутная вода превращается в зияющую пропасть. Пейзаж вдруг становится подобием зоны отчуждения, образованной в результате то ли прошедшей, то ли разворачивающейся катастрофы. 
Особая гнетущая темпоральность и располагающиеся на грани возможного сюжеты становятся для группы «Синий суп» основой для построения нарратива. Стремящаяся к реалистичной 3D‑симуляция создает эффект «зловещей долины». Важным во встрече с предложенным художниками миром становится зрительское восприятие — от телесного ответа до ощущения беспомощности и загадочной неотвратимости неподконтрольного человеку процесса.

«Озеро» — одна из программных работ группы «Синий суп», в которой визуальный язык в работе с пейзажем и нарративом становится узнаваемым и сформированным. Художники с архитектурной точностью сконструировали при помощи 3D‑графики на первый взгляд простую пейзажную сцену: круглое озеро, окруженное лесом. Почти статичный кадр медленно изменяется: покрытое льдом озеро оттаивает, мутная вода превращается в зияющую пропасть. Пейзаж вдруг становится подобием зоны отчуждения, образованной в результате то ли прошедшей, то ли разворачивающейся катастрофы. 
Особая гнетущая темпоральность и располагающиеся на грани возможного сюжеты становятся для группы «Синий суп» основой для построения нарратива. Стремящаяся к реалистичной 3D‑симуляция создает эффект «зловещей долины». Важным во встрече с предложенным художниками миром становится зрительское восприятие — от телесного ответа до ощущения беспомощности и загадочной неотвратимости неподконтрольного человеку процесса. 

Озеро

«Провмыза» — дуэт Галины Мызниковой и Сергея Проворова, работающий на стыке видеоарта, кино, театра, перформанса и инсталляции. Художники создают синтетические произведения, объединяющие формальные эксперименты и философскую рефлексию. Их работы пронизаны атмосферой тревоги, экзистенциальной неустойчивости и ощущением неминуемой обреченности. 

Сюжет видеоработы «Капель» (2009), снятой при поддержке Академического киноцентра при Доме культуры «Студенческий городок» (Белград), основан на знаменитой фотографии «Угасание» (1858) английского пикториалиста Генри Пича Робинсона. На снимке изображена умирающая девушка в постели, окруженная близкими. Для Галины Мызниковой и Сергея Проворова работа над «Капелью» стала актом личного проживания утраты — в тот период медленно угасал их близкий друг. Художники не стремились оживить фотографию, но искали визуальный эквивалент внутреннего состояния, метафору, способную выразить непреходящую грусть и трагичность. Построенное как камерная театральная мизансцена, видео перерабатывает классические мотивы искусства и драматургические коды. «Солнечный свет и ветер, обладающие почти метафизическими качествами, вновь и вновь проникают в пространство кадра и наполняют действие тонкими экзистенциальными и поэтическими смыслами. Конец близок. Но жизненный процесс не прерывается: он принимает форму воды, медленно заполняющей кровать и — словно продолжая сентиментальный сюжет — превращается в капель», — говорят художники.

«Провмыза» — дуэт Галины Мызниковой и Сергея Проворова, работающий на стыке видеоарта, кино, театра, перформанса и инсталляции. Художники создают синтетические произведения, объединяющие формальные эксперименты и философскую рефлексию. Их работы пронизаны атмосферой тревоги, экзистенциальной неустойчивости и ощущением неминуемой обреченности. 

Сюжет видеоработы «Капель» (2009), снятой при поддержке Академического киноцентра при Доме культуры «Студенческий городок» (Белград), основан на знаменитой фотографии «Угасание» (1858) английского пикториалиста Генри Пича Робинсона. На снимке изображена умирающая девушка в постели, окруженная близкими. Для Галины Мызниковой и Сергея Проворова работа над «Капелью» стала актом личного проживания утраты — в тот период медленно угасал их близкий друг. Художники не стремились оживить фотографию, но искали визуальный эквивалент внутреннего состояния, метафору, способную выразить непреходящую грусть и трагичность. Построенное как камерная театральная мизансцена, видео перерабатывает классические мотивы искусства и драматургические коды. «Солнечный свет и ветер, обладающие почти метафизическими качествами, вновь и вновь проникают в пространство кадра и наполняют действие тонкими экзистенциальными и поэтическими смыслами. Конец близок. Но жизненный процесс не прерывается: он принимает форму воды, медленно заполняющей кровать и — словно продолжая сентиментальный сюжет — превращается в капель», — говорят художники.

Капель

Приобретено у Юлии Козловой

Приобретено у художника

Приобретено у Паруйра Давтяна

Приобретено у художников

В своем искусстве Аня Желудь обращалась к простым и повседневным вещам — предметам быта и интерьера, наделяя их символическим значением. Бидоны, вазы с цветами и домашние тапочки становились персонажами ее пристального вглядывания. Метод Желудь — в живописи, графике или пространственных конструкциях — строился на минимализме выразительных средств, строгой линии и аскетичной пластике формы, в которых «красота неприглядности» приобретает убедительность и поэтическую значимость.

Картина «20 кг глины» относится к раннему периоду творчества, когда Желудь, по словам критиков, нашла свой узнаваемый почерк «опустошенных вещей». В это время складывалась одна из ключевых тем ее творчества — взаимодействие телесности человека и материальности предмета. Необработанная глина таит в себе следы будущих прикосновений, непроявленный потенциал. Именно поэтому она обрела портретную самодостаточность, концентрируя стремление художницы раскрыть внутреннюю силу любого объекта, преодолеть его несовершенство и попытаться проникнуть вглубь, приблизившись к красоте души.

В своем искусстве Аня Желудь обращалась к простым и повседневным вещам — предметам быта и интерьера, наделяя их символическим значением. Бидоны, вазы с цветами и домашние тапочки становились персонажами ее пристального вглядывания. Метод Желудь — в живописи, графике или пространственных конструкциях — строился на минимализме выразительных средств, строгой линии и аскетичной пластике формы, в которых «красота неприглядности» приобретает убедительность и поэтическую значимость.

Картина «20 кг глины» относится к раннему периоду творчества, когда Желудь, по словам критиков, нашла свой узнаваемый почерк «опустошенных вещей». В это время складывалась одна из ключевых тем ее творчества — взаимодействие телесности человека и материальности предмета. Необработанная глина таит в себе следы будущих прикосновений, непроявленный потенциал. Именно поэтому она обрела портретную самодостаточность, концентрируя стремление художницы раскрыть внутреннюю силу любого объекта, преодолеть его несовершенство и попытаться проникнуть вглубь, приблизившись к красоте души.

20 кг глины

Для Виктора Пивоварова, одного из основателей московского концептуализма, книжная иллюстрация была не только способом официального заработка. На страницах книг он воплощал фантазии своего детства и виртуозно экспериментировал с различными художественными стилями вдали от чрезмерного идеологического давления. В этих иллюстрациях проявлялся интерес Пивоварова к классическому и модернистскому искусству, также пронизывающий его концептуальные работы. «Воспитанный на Леонардо и Дюрере… Изнемогаю от ошеломляющих открытий: Шагал, Миро, Клее, Кандинский и Дали!» — вспоминал художник.
В 1967 году Пивоваров работал над иллюстрациями к книге латышского поэта Феликса Скудры «Едет солнышко по небу» для издательства «Малыш». В книге соединились черно‑белые рисунки и полностраничные цветные иллюстрации — прием, который художник повторит в оформлении сборника стихов Романа Сефа «Если ты не веришь» (1968). Черно‑белые изображения расположились на левых страницах, дополняя стихотворения и поддерживая вертикаль текста. Правые страницы, поодаль от стихотворной формы, покрывали горизонтально ориентированные цветные рисунки, создававшие самостоятельное художественное пространство. На этих разворотах представали пластические эксперименты Пивоварова с оглядкой на достижения модернистского искусства: от ритмичных цветовых пятен Пауля Клее до меланхоличных ландшафтов метафизической живописи Джорджо де Кирико. В книге Скудры дочери старого Грома парили в невесомости, подобно шагаловским фигурам. Сея лучистый дождик, девушки растворялись в игре плоскостей, напоминающей эксперименты авангардистов с цветом, формой и пространством. Через пару страниц от них в волшебном лесу бродят трудолюбивые заяц и белка, шагая по узорчатому ландшафту в духе примитивистских композиций.

Для Виктора Пивоварова, одного из основателей московского концептуализма, книжная иллюстрация была не только способом официального заработка. На страницах книг он воплощал фантазии своего детства и виртуозно экспериментировал с различными художественными стилями вдали от чрезмерного идеологического давления. В этих иллюстрациях проявлялся интерес Пивоварова к классическому и модернистскому искусству, также пронизывающий его концептуальные работы. «Воспитанный на Леонардо и Дюрере… Изнемогаю от ошеломляющих открытий: Шагал, Миро, Клее, Кандинский и Дали!» — вспоминал художник.
В 1967 году Пивоваров работал над иллюстрациями к книге латышского поэта Феликса Скудры «Едет солнышко по небу» для издательства «Малыш». В книге соединились черно‑белые рисунки и полностраничные цветные иллюстрации — прием, который художник повторит в оформлении сборника стихов Романа Сефа «Если ты не веришь» (1968). Черно‑белые изображения расположились на левых страницах, дополняя стихотворения и поддерживая вертикаль текста. Правые страницы, поодаль от стихотворной формы, покрывали горизонтально ориентированные цветные рисунки, создававшие самостоятельное художественное пространство. На этих разворотах представали пластические эксперименты Пивоварова с оглядкой на достижения модернистского искусства: от ритмичных цветовых пятен Пауля Клее до меланхоличных ландшафтов метафизической живописи Джорджо де Кирико. В книге Скудры дочери старого Грома парили в невесомости, подобно шагаловским фигурам. Сея лучистый дождик, девушки растворялись в игре плоскостей, напоминающей эксперименты авангардистов с цветом, формой и пространством. Через пару страниц от них в волшебном лесу бродят трудолюбивые заяц и белка, шагая по узорчатому ландшафту в духе примитивистских композиций.

Эскиз иллюстрации к книге Феликса Скудры «Едет солнышко по небу»

9 апреля 1992 года в галерее в Трехпрудном переулке Алексей Шульгин, уже известный художник, автор нашумевшей серии «Чужие фотографии» и основатель группы «Непосредственная фотография», подвел итоги первого десятилетия своей работы в искусстве. Он предложил емкий образ пройденного пути как невидимого процесса с непредсказуемым результатом. В качестве отчета на выставке «10 лет в искусстве» художник представил инсталляцию «Крутящееся зеркало 1» (1991).

В тексте к выставке Шульгин утверждал, что современного зрителя, уставшего от визуальных потоков, можно заинтересовать лишь его собственным отражением. Это сотрудничество с публикой художник предложил усложнить так, чтобы каждому пришлось собирать свой образ по частям в ускользающем пространстве. Идея вовлечения зрителя, а также превращение художника в менеджера процессов сработали благодаря продуманной схеме, работе надежного двигателя и кривошипно‑шатунного механизма собственной разработки. 

В следующие десятилетия Алексей Шульгин продемонстрировал способность современного художника работать в широком диапазоне: от фотографа до веб‑разработчика, от музыканта до педагога и куратора, так что его первый отчет о проделанной работе сегодня выглядит пророческим жестом. В работе он уверенно заявил, что движение привлекательнее статики и художник волен радикально менять выбранную стратегию или тактику. Кроме того, в его на первый взгляд механической инсталляции вибрировали не только образы, но и синкретизм современного визуального искусства, отношение фрагмента к целому и художника к зрителю.

9 апреля 1992 года в галерее в Трехпрудном переулке Алексей Шульгин, уже известный художник, автор нашумевшей серии «Чужие фотографии» и основатель группы «Непосредственная фотография», подвел итоги первого десятилетия своей работы в искусстве. Он предложил емкий образ пройденного пути как невидимого процесса с непредсказуемым результатом. В качестве отчета на выставке «10 лет в искусстве» художник представил инсталляцию «Крутящееся зеркало 1» (1991).

В тексте к выставке Шульгин утверждал, что современного зрителя, уставшего от визуальных потоков, можно заинтересовать лишь его собственным отражением. Это сотрудничество с публикой художник предложил усложнить так, чтобы каждому пришлось собирать свой образ по частям в ускользающем пространстве. Идея вовлечения зрителя, а также превращение художника в менеджера процессов сработали благодаря продуманной схеме, работе надежного двигателя и кривошипно‑шатунного механизма собственной разработки. 

В следующие десятилетия Алексей Шульгин продемонстрировал способность современного художника работать в широком диапазоне: от фотографа до веб‑разработчика, от музыканта до педагога и куратора, так что его первый отчет о проделанной работе сегодня выглядит пророческим жестом. В работе он уверенно заявил, что движение привлекательнее статики и художник волен радикально менять выбранную стратегию или тактику. Кроме того, в его на первый взгляд механической инсталляции вибрировали не только образы, но и синкретизм современного визуального искусства, отношение фрагмента к целому и художника к зрителю. 

Крутящееся зеркало 1

Формируя собственный язык современного реализма, Аня Желудь исследовала поэтику «красоты неприглядности», фокусируя внимание на самых обыденных предметах — кастрюлях, чайниках, утюгах, деталях интерьера. Абстрагируясь от прикладного назначения, художница создавала метафорические портреты вещей и времени. В живописи, графике и инсталляциях эти объекты обнажали свою хрупкость под пристальным взглядом Желудь, становясь уязвимыми воспоминаниями о самих себе. Монументализируя «малое» и «простое», художница возводила их в ранг искусства.

Монохромная серия «Выбоины» возникла в 2012 году, когда на станции метро «Пролетарская» в Москве меняли кафельную облицовку. В книге художника «Последняя выставка» Желудь писала: «Единственная работа, не относящаяся к акту отрешения и отказа, — это серия картин „Выбоины“... Эти картины, являясь формальной абстракцией, не что иное, как абсолютный реализм — буквальное изображение действительности… Изображение кафеля мгновенно отсылает к работам Михаила Рогинского. Я же настаиваю на том, что рисовала не кафель, а процесс его разрушения, конкретнее, конфигурацию сколов. На картинах изображены дырки, которые появлялись в метрополитене каждый день. В какой‑то момент станция метро превратилась в настоящую галерею, где я нашла концентрат своей творческой деятельности».

Для Желудь важную роль играло ощущение сопротивления материала: индустриальная жесткость кафеля перенеслась на мягкую поверхность холста. Орнамент межплиточных швов складывается в тонкий рисунок, близкий структурным объектам и инсталляциям художницы. «Выбоины» стали одновременно и документальной фиксацией разрушения, и метафорой утраты, из которой рождается новое.

Формируя собственный язык современного реализма, Аня Желудь исследовала поэтику «красоты неприглядности», фокусируя внимание на самых обыденных предметах — кастрюлях, чайниках, утюгах, деталях интерьера. Абстрагируясь от прикладного назначения, художница создавала метафорические портреты вещей и времени. В живописи, графике и инсталляциях эти объекты обнажали свою хрупкость под пристальным взглядом Желудь, становясь уязвимыми воспоминаниями о самих себе. Монументализируя «малое» и «простое», художница возводила их в ранг искусства.

Монохромная серия «Выбоины» возникла в 2012 году, когда на станции метро «Пролетарская» в Москве меняли кафельную облицовку. В книге художника «Последняя выставка» Желудь писала: «Единственная работа, не относящаяся к акту отрешения и отказа, — это серия картин „Выбоины“... Эти картины, являясь формальной абстракцией, не что иное, как абсолютный реализм — буквальное изображение действительности… Изображение кафеля мгновенно отсылает к работам Михаила Рогинского. Я же настаиваю на том, что рисовала не кафель, а процесс его разрушения, конкретнее, конфигурацию сколов. На картинах изображены дырки, которые появлялись в метрополитене каждый день. В какой‑то момент станция метро превратилась в настоящую галерею, где я нашла концентрат своей творческой деятельности».

Для Желудь важную роль играло ощущение сопротивления материала: индустриальная жесткость кафеля перенеслась на мягкую поверхность холста. Орнамент межплиточных швов складывается в тонкий рисунок, близкий структурным объектам и инсталляциям художницы. «Выбоины» стали одновременно и документальной фиксацией разрушения, и метафорой утраты, из которой рождается новое.

Выбоины 7

1. Открытый доступ

Мастер

Провмыза

Синий суп

Родилась в Ленинграде. Училась в Санкт‑Петербургском художественном училище им. Н. К. Рериха и Санкт‑Петербургской государственной художественно‑промышленной академии им. А. Л. Штиглица. Участница Основного проекта 53‑й Венецианской биеннале (2009). Лауреат Всероссийского конкурса в области современного визуального искусства «Инновация» в номинации «Новая генерация» (2010).

Жёлудь Анна

Родился в Москве. Окончил Московский государственный институт стали и сплавов по специальности «Кибернетика металлургических процессов». Основатель группы «Непосредственная фотография» (1987). С 1997 года одним из первых в России начал заниматься сетевым искусством. В 1998 году собрал киберпанк‑рок‑группу 386 DX. В 2004 году совместно с Аристархом Чернышевым создал проект Electroboutique. Избранные персональные выставки: «Телевизоры» (галерея XL, Москва, 1994), Beauty Inside (галерея XL, Москва, 2005), «Монтаж» (Московский дом фотографии, 2002), «КРИТИ‑ПОП» (совместно с Аристархом Чернышевым; Московский музей современного искусства, 2008) и др. Избранные групповые выставки: «Верю!» (Центр современного искусства «Винзавод», 2007), «Футурология» (Центр современной культуры «Гараж», Москва, 2010), 4‑я Московская биеннале современного искусства (в составе группы Electroboutique; Центр дизайна ARTPLAY, Москва, 2014) и др. Лауреат Премии Кандинского в номинации «Медиа‑арт. Проект года» (совместно с Аристархом Чернышевым; 2009).

Шульгин Алексей

Родилась в Москве. Окончила Высшую школу экономики (2008), там же защитила магистерскую диссертацию (2011). Создательница архива Artists’ Private Collections (2010), соосновательница «Движения „Ночь“» (2015).

Рябова Анастасия

Родился в Костроме. Учился в Российском государственном гуманитарном университете (Москва, 1999–2003) и в Академии изобразительных искусств (Вена, 2011–2012). Участник общества «Радек» (1998–2008), сооснователь группы «Лаборатория городской фауны» (2011).

Булдаков Алексей

Родился в Москве. Учился в Московском художественно‑промышленном училище им. М. Калинина и на отделении графики Московского полиграфического института на отделении графики в 1957–1962 годах. Участник Биеннале диссидентов (Венеция, 1977). Лауреат Государственной премии в области современного искусства «Инновация» в номинации «За вклад в развитие современного искусства» (2017).

Пивоваров Виктор

Музей современного искусства «Гараж», Россия

2000‑е

2010‑е

1960‑е

Живопись

Видео

Инсталляция

Иллюстрация

Видеоарт

1990‑е

Графика

Да

Автор

Соавтор

В запаснике

7-9 лет

10-14 лет

15-17 лет

0-6 лет

Изобразительное искусство

Архитектура

Фотография

Журналистика

Психология

Музыка

Семейные

Поток

Серия

Семинары, воркшопы и тренинги

Лекции и дискуссии

Концерты, спектакли и перформансы

Кинопоказы

Выставки

Курсы

Экскурсии

Конференции

Выставки и проекты

Новость

Интервью

Talks

Циклы лекций

Конференции и семинары

Презентации книг

Арт Гид

Издательская программа Музея современного искусства «Гараж»

Спонсоры, патроны и партнеры

Информационные партнеры

Cовместная издательская программа Музея современного искусства «Гараж» и Artguide Editions

Международная издательская программа Музея «Гараж»

События библиотеки

Книги на английском

Garage Screen

Русский

Английский

Двуязычное издание (русский, английский)

Кинопрограммы

Клуб Музея «Гараж»

Программы к выставкам

События

Garage Live

Garage Dance

Академическая программа

Гранты

Полевые исследования

Клуб GARAGE

Патронство

Мастерские Музея «Гараж»

Mosaic Music

GARAGE студенческая

Гараж.txt

Кинофестиваль

Кинопрокат

Жестовый язык

Ментальные особенности

Миграционный опыт

Тифлокомментарий

Тактильные модели

Руководства по доступности

Физическая доступность

GARAGE индивидуальная

Цифровая доступность

Разнообразие

Мероприятия в «Гараже»

Издательская программа Музея современного искусства «Гараж» и издательство Strelka Press

Текст

Аудио

Спецпроект

Путеводитель

GARAGE индивидуальная+1

Исследовательские лаборатории

Художественные исследования

Перевод на русский жестовый язык

Субтитры

Адаптированные экскурсии

Тихая комната

Перевод на узбекский, таджикский, кыргызский языки 

GARAGE премиум

«Мы храним наши белые сны»

«Пространство 1520»

Современная критическая мысль

Директорская серия

The Garage Journal

GARAGE круг ценителей 

Темпоральность

Инвалидность

Аффект

Преодоление

Искусство

Тело

Вневременность

Ненормативная телесность

GARAGE клуб коллекционеров

Опыт другого

Инаковость

Психическое здоровье

Травма

Личный опыт

Нейросети

Язык

7-11 лет

На ясном языке

Garage Café

Расписание занятий в компьютерном классе

Медиации

Расписание занятий в КК

Олег Баранов Going Down

Подкасты

Полка месяца. Театр

Страница издательской программы

Цикл встреч с резидентами мастерских Музея «Гараж» «Путевка в?..»

Опен-коллы

Полка месяца. Кино

Полка месяца. Современный танец

Проекты «Устная история» и «Устная история 2.0»

Посетителям, передвигающимся на инвалидной коляске

ГАРАЖ.txt

Открытое хранение

Исследовательская лаборатория «Я — бандероль, Вы — штамп»

Исследовательская лаборатория ВОКС kinema

Лаборатория изучения советского искусства Центра авангарда

ЛИСИ_ЦА

Публичная программа

Бесплатно

По регистрации

Бесплатно при наличии билета на выставки

Платно

По предварительной брони

По предварительной брони по телефону или почте

Каталог коллекции

Сортировать: